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Pearl Jam revient au cinéma le temps d’un soir pour une projection unique du documentaire Let’s Play Two avant sa sortie en DVD et Blu-Ray.

SYNOPSIS : Les 20 et 22 août 2016, Pearl Jam donnait deux concerts événementiels dans le stade Wigrley Field à Chicago, la ville natale d‘Eddie Vedder. La même année où les Cubs, l’équipe locale de baseball dont le chanteur est un grand fan, ont réussi à faire tomber la malédiction qui semblait les condamner à perdre depuis 71 ans en remportant pour la première fois depuis l’existence du club la World Series.

Pearl Jam et le cinéma c’est une histoire qui remonte quasiment au début du groupe puisque Cameron Crowe leur avait offert un petit rôle dans Singles en 1992. Depuis c’est à travers différents documentaires que l’on a pu les retrouver à l’occasion sur grand écran. Six ans après Pearl Jam Twenty, le groupe d’Eddie Vedder revient provisoirement avec Let’s Play Two, mélange entre documentaire et concert live réalisé à nouveau par Danny Clinch qui avait déjà signé pour le groupe le documentaire live Immagine In Cornice en 2006. Si le film est resté deux semaines à l’affiche aux Etats Unis, en France il n’a pour l’instant eu le droit qu’à une seule soirée d’exploitation le 13 novembre 2017 avant une sortie en Blu-Ray et DVD prévue le 17 novembre 2017.

Pearl Jam : Let’s Play Two est presque plus un documentaire sur son chanteur Eddie Vedder que sur le groupe puisqu’il semble vraiment avoir été conçu pour immortaliser un moment très important dans la vie du vocaliste. L’occasion de rejouer dans le stade mythique Wrigley Field le touche en effet particulièrement puisque que comme tout bon habitant de Chicago qui se respecte, il est un grand fan des Cubs qu’il supporte depuis sa plus tendre enfance et auquel il reste toujours aussi attaché même si le succès de Pearl Jam aurait pu l’en éloigner. C’est cette ferveur que veut avant tout montrer ce nouveau documentaire, histoire de se différencier des précédents live filmé par Pearl Jam à travers leur carrière.

Sur les deux heures que dure Pearl Jam : Let’s Play Two une grande partie du documentaire retrace l’histoire des Cubs, club de Baseball malheureux qui n’a jamais pu se qualifier pour les World Series depuis 1945 à la suite d’une malédiction prise très au sérieux par certains mais à laquelle  les vrais supporters n’ont jamais voulu croire. À travers des images d’archives du club mais aussi des images personnelles d’Eddie Vedder et des interviews filmées spécialement pour le documentaire, nous apprendrons tout du club et de son incroyable comeback inédit dans le monde du Baseball et qui coïncide avec le retour de Pearl Jam, trois ans après avoir pu jouer pour la première fois dans ce stade. le Let’s Play Two du titre est un hommage à Ernie Banks, l’un des plus grands joueurs des Cubs qui avait dit cette phrase restée dans les annales lors de son discours d’entrée au Hall Of Fame de la MLB.

Pearl Jam : Let’s Play Two nous permet tout de même de voir et  entendre près de dix sept chansons interprétées sur scène, parfois en coulisse ou en répétition public sur le toit d’un bar à coté du Wrigley Field. Même s’il s’agissait de la tournée qui faisait suite à la sortie de l’album Lightning Bolt, ce sont avant tout des chansons bien connues de tous qui ont été choisies pour être intégré au film avec une part belle faite aux deux premiers albums même si il manque certains classiques. Il y aussi All The Way, une inédite d’Eddie Vedder composée spécialement à la demande des dirigeants des Cubs pour encourager les joueurs et les supporters à ne pas perdre espoir. On sait que Pearl Jam n’est pas le groupe le plus spectaculaire sur scène avec un décor vraiment minimaliste qui ne donne pas grand chose à voir mais les musiciens toujours aussi efficaces sur scène compensent par la qualité d’interprétation de leur chansons. On pourra parfois être frustré que le coté documentaire empiète parfois sur les passages musicaux au pire moment comme sur un magnifique solo. On pourra aussi regretter le manque de surprises de ces concerts où le groupe préfère faire défiler des stars du baseball ou le basketteur Dennis Rodman des Chicago Bulls plutôt qu’inviter des amis musiciens.

Ce documentaire n’a pas pour ambition de faire découvrir la carrière du groupe à ceux qui ne les connaîtraient pas encore car cela a déjà été fait dans Pearl Jam Twenty de Cameron Crowe. Tout ce que l’on pourra y apprendre c’est la relation entre Pearl Jam et la ville de Chicago avec des extraits de leur tout premier concert en tête d’affiche dans un petit club situé pas si loin du Wrigley Field ce qui fait plaisanter Eddie Vedder sur le fait que le groupe n’a au final pas  fait beaucoup de chemin en vingt cinq ans. Pearl Jam : Let’s Play Two laisse aussi la parole à certains fans prêts à camper quatre jours devant le stade pour être au premier rang ou à faire des milliers de kilomètres pour ne pas rater cet événement même si ils ont déjà vu Pearl Jam une vingtaine de fois. On pourra s’étonner de l’absence total de messages politiques dans le concert alors que le groupe est connu pour ses prises de position et que les élections aux Etats Unis allaient avoir lieu quatre mois plus tard. On aurait aussi apprécié que les paroles des chansons soient sous titrée de la même façon que les interviews.

Il faut l’avouer, ceux qui ne s’intéressent pas au Baseball ou même aux sports en général risquent parfois de trouver le temps long dans les longs passages réservés au parcours des Cubs.  La ferveur d’Eddie Vedder et des supporters finira cependant par rendre ses passages plus accrocheurs voir même émouvants. Ce sont cependant les différents extraits des deux concerts toujours aussi bien interprétés et les quelques anecdotes sur Pearl Jam qui intéresseront certainement un maximum de fans. Let’s Play Two n’est peut être pas le meilleur DVD live de Pearl Jam mais pouvoir le découvrir sur grand écran était vraiment appréciable et l’édition en vidéo devait largement combler les fans histoire de patienter jusqu’à la sortie d’un nouvel album qui se fait attendre.

MON AVIS : 4/5

FICHE TECHNIQUE :

• RÉALISATEUR : Danny Clinch
• AVEC : Eddie Vedder, Jeff Ament, Stone Gossard, Mike McCready, Matt Cameron & Kenneth « Boom » Gaspar
• SCÉNARISTES : Danny Clinch, Tim Donnelly & Taryn Gould 
• COMPOSITEURS : Pearl Jam
• GENRE : Documentaire, Film Musical, Sports
• DURÉE : 2h00
• NATIONALITÉ : Américain
• DISTRIBUTEUR : Pathé Live
• SITE OFFICIEL : https://pearljam.com/letsplaytwo/
• DATE DE SORTIE : 13 novembre 2017

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Le voici enfin le premier album éponyme de Dead Cross, le projet Punk Hard Core du batteur Dave Lombardo qui retrouve pour l’occasion le chanteur Mike Patton. Attention ça déménage !

Dave Lombardo est en colère ! Et on ne peut que le comprendre car ces dernières années n’ont pas du être évidentes pour lui. Après avoir été viré sans ménagement de Slayer pour avoir demandé une part plus équitable du gâteau, il s’est ensuite embrouillé avec les membres de son autre groupe Philm pour différents artistiques. Histoire de canaliser tout cet énervement, il a choisi de faire du bruit en formant Dead Cross un groupe de Punk Hard Core pour lequel il s’est entouré de trois membres du groupe The Locust : le chanteur Gabe Serbian, le guitariste Mike Crain et le bassiste Justin Pearson. Encore plus énervé par l’attentat du Bataclan, c’est en décembre 2015 que les musiciens s’étaient enfermés en studio pour enregistrer leur premier album avec l’incontournable Ross Robinson derrière les manettes.

Mais alors que l’album aurait du paraître quelque mois plus tard, le vocaliste Gabe Serbian a préféré quitter le groupe pour passer plus de temps avec sa fille. Il n’était alors plus question de sortir l’album tel quel pour Dave Lombardo qui s’est mis en quête d’un nouveau chanteur. Après avoir longtemps hésité pensant qu’il ne serait jamais partant, il a fini par appeler Mike Patton avec qui il jouait dans Fantomas pour lui proposer le poste. De son coté le chanteur voulait justement proposé au batteur de distribuer son disque sur son label Ipecac Records, c’est donc avec très peu de réflexion qu’il a sauté sur l’occasion de faire parti intégrante de ce projet. Avec ce nouveau vocaliste, Dead Cross est devenu bien plus qu’un simple nouveau groupe de Punk Hard Core et mérite grandement votre attention.

D’une durée de seulement vingt huit minutes pour prouver à ses anciens camarades de Slayer qu’il pouvait faire plus violent et intense que le cultissime Reign In Blood qui dure 29 minutes, ce premier disque en impose déjà.  Musicalement le trio décoiffe dans le même style que ce que pouvait déjà faire The Locust et Retox mais l’adjonction d’un batteur de la trempe de Dave Lombardo, connu comme l’un des plus grands batteur de Thrash Metal, fait déjà que l’on intéressera plus aux breaks de folie qu’il nous propose qu’aux riffs assez basiques du guitariste Mike Crain. Le batteur donne vraiment l’impression d’être libre de faire ce qu’il veut et nous donne une sévère démonstration de talent avec une double caisse ultra rapide accompagné de blasts d’enfer et de breaks vraiment recherchés.

Mais surtout c’est le chant de Mike Patton qui va focaliser toute notre attention durant les dix titres qui composent ce premier album. Si il n’a pas participé à la composition des chansons en elles mêmes, il les a malgré tout bien transformé rien qu’en posant ses lignes de chants. Au lieu de ce qui avait été inventé par l’ancien chanteur Gabe Serbian, il a complètement réécrit les paroles mais a aussi surtout amené une sorte de schizophrénie en multipliant les types de chant et les sonorités de sa voix. Si il n’était pas question pour lui de rajouter des nappes de synthé à la Faith No More, c’est par les chœurs, qu’il assure tout seul, qu’il a apporté un peu plus de mélodie à cet ensemble complètement fou. On se demande tout de même parfois d’où il peut sortir des voix pareils tant il est capable de partir dans des aigus incroyables comme sur le titre Grave Slave.

Si ce premier album de Dead Cross peut se montrer particulièrement violent, il comporte tout de même par moments des passages plus calmes pour laisser souffler l’auditeur et lui faire apprécier d’autant plus la qualité de l’ensemble du groupe. Le titre Shillelagh fait beaucoup penser à du Slayer et les chœurs et le refrain de Mike Patton nous donneront envie de chanter avec lui. La véritable respiration du disque reste cependant la reprise raccourcie et bien accélérée du titre Bella Lugosi’s Dead du groupe Bauhaus qui reste malgré tout très fidèle à l’originale dans son ambiance avec en fond un Mike Patton qui poussent des cris de fantômes tourmentés et où Dave Lombardo a rajouté une vraie partie de batterie avec son lot de breaks sans jamais dissoner.

Si on pouvait craindre que Mike Patton se soit assagi avec son disque très réussi de crooner italien où les différentes musiques de films sur lesquels ils passent désormais le plus de temps, ce premier album de Dead Cross nous permet de voir qu’il n’a rien perdu de sa créativité et de ses exubérances. On retrouve ici aussi bien des titres qui feront penser à Faith No More comme Gag Reflex que Tomahawk comme Church Of Motherfuckers et sa reverb’ sur les guitares. Un titre comme Pistolero aurait aussi très bien pu se retrouver sur un disque de Mr Bungle. Tandis que les dissonances et autres étrangetés nous replongeront dans les premiers albums de Fantomas.  Si certains lui reprocheront d’avoir peut être dénaturé la violence du projet initial, on ne peut au contraire que le féliciter d’avoir fait de ce premier album un disque bien plus riche que ce qu’il aurait été avec son ancien chanteur.

Aussi indispensable pour les fans de Dave Lombardo que pour ceux de Mike Patton, ce premier album de Dead Cross est sans aucun doute un incontournable de cette année 2017. Combinant la violence de Slayer, les délires de Fantomas et les mélodies de Faith No More tout en gardant l’agressivité des albums de The Locust, cet album apporte une véritable bouffée d’air frais au Punk Hard Core et c’est avec la plus grande  impatience qu’on espère pouvoir rapidement découvrir ce que vaudra le groupe sur scène.

MON AVIS : 5/5

TRACKLISTING :

• 01. Seizure And Desist
• 02. Idiopathic
• 03. Obedience School
• 04. Shillelagh
• 05. Bella Lugosi’s Dead
• 06. Divine Filth
• 07. Grave Slave
• 08. The Future Has Been Cancelled
• 09. Gag Reflex
• 10. Church Of The Motherfuckers

LINE UP :

• MIKE PATTON : Chants
• DAVE LOMBARDO : Batterie
• MICHAEL CRAIN : Guitares
• JUSTIN PEARSON : Basse

FICHE TECHNIQUE :

• PRODUCTEUR : Ross Robinson
• GENRE : Punk / Hard Core
• DURÉE : 27:43 minutes
• LABEL : Ipecac Records
• NATIONALITÉ : Américain
• SITE OFFICIEL : https://www.facebook.com/deadcrossofficial/
• DATE DE SORTIE : 04/08/2017

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En matière de musique, l’année 2016 a surtout été marqué par la disparition de très grands artistes mais il y eu quand même de très bonnes nouvelles comme la sortie du silence de Metallica avec leur dixième album Hardwired… To Self Destruct.

Huit ans qu’on l’attendait ce dixième album de Metallica ! Il faut reconnaître que depuis la sortie de Death Magnetic, James Hetflield et sa bande n’ont pas chaumé enchaînant une grosse tournée, suivie de l’enregistrement du décrié mais pourtant excellent Lulu en collaboration avec Lou Reed, la préparation et le tournage de leur film en 3D Through The Never et d’incessantes tournées. Autant dire qu’avec tout cela, le temps est passé très vite mais l’envie d’entendre de nouvelles chansons se faisait tout de même de plus en plus pressante !

C’est peut être pour s’excuser de ce délai que Metallica a carrément choisi de faire de leur dixième album baptisé Hardwired… To Self Destruct un double album comprenant douze titres pour un peu plus de 80 minutes. Une édition deluxe propose même pour à peine quelques euros de plus un troisième disque avec l’inédite Lords Of Summer, des reprises et un live enregistré à Rasputin Records pendant le Record Store Day. Ce qui est certain c’est que Metallica n’avait plus envie de décevoir leur fans et devraient largement les contenter avec ce nouvel album.

C’est sur les chapeaux de roues que le disque commence avec le titre Hardwired… To Self Destruct qui donne justement le titre à ce nouvel album. Un morceau de Thrash à la limite du punk dans ses paroles (We’re So Fucked, Shit Out Of Luck) de seulement trois minutes qui prouve que Metallica a encore de l’énergie à revendre. C’est encore avec un autre titre bien énergique que se poursuit ce nouveau disque, Atlas Rise ! qui rappelle la période Ride The Lightning avec une influence très heavy metal dans sa sublime interlude instrumentale qui fait toute la force de ce morceau. Une première faille se fait cependant ressentir car le titre semble construit à la manière de ceux de St. Anger avec une impression de copier/coller des  couplet refrain. Il aurait certainement gagné en intensité en étant un peu raccourci.

Le choix de placer le titre Now That We’re Dead en troisième piste de ce disque semble ne pas être franchement judicieux. Il s’agit là clairement du titre les plus faible de ce nouvel album avec son riff principal trop simple et clairement pas inspiré. On ne peut plus parler ici de Thrash Metal mais plutôt d’un titre taillé pour passer sur les radios rock américaine. Là encore c’est surtout la longue interlude instrumental et le solo de Kirk Hammett qui feront tout l’intérêt de ce titre. Les choses sérieuses reprennent avec Moth Into Flames, le quatrième titre de l’album qui renoue avec le Thrash où Lars Ulrich nous épate avec ces roulements de caisse claire. Là encore le meilleur passage du disque se situe dans la grande interlude et le solo.

Dream No More est une des très bonne surprise de ce nouvel album, un titre très lourd façon Sad But True sur le Black Album dans ses couplets voir même The Thing That Should Not Be sur Master Of Puppets dans son refrain. Et pour cause puisque comme ce titre culte, cette nouvelle chanson est à nouveau inspirée par L’Appel de Cthulu de H.P. Lovecraft. Si l’intro du titre suivant Halo On Fire est aussi heavy, le titre tourne ensuite presque à la ballade sur son couplet, la saturation fera son retour sur les refrains empêchant le titre d’être vraiment considéré comme le slow de ce nouveau disque. C’est un des rares titre de l’album sur lequel on arrive clairement à distinguer la basse généralement écrasé par la lourdeur des riffs du Sieur Hetfield.

Le deuxième disque de ce double album commence avec Confusion dont l’intro ne sera pas sans rappeler le Am I Evil de Diamond Head que Metallica reprenait souvent sur scène dans ses premières années. Le reste du titre nous rappellera plus l’ambiance du Black Album plutôt mid-tempo pas vraiment thrash mais tout de même agressif et bien lourde dans sa dernière partie. La basse sera enfin à l’honneur sur l’intro de Man UNkind, le huitième titre de l’album. Le reste de la chanson est clairement inspiré par Black Sabbath et le stoner doom en un peu plus rapide.

L’intro de Here Come Revenge nous replonge cette fois à l’époque de …And Justice For All tandis que le développement du titre s’inscrit plus dans la période Load/Reload en rappelant un peu le titre Fuel sur son refrain. Pas de vrais riffs sur les couplets mais plutôt une mélodie en arpèges qui porte les paroles. Sur le dixième titre Am I Savage ? c’est vraiment l’ambiance très CowBoy de Load qui ressort. Un titre très lourd dans l’esprit Stone Rock qui semble vraiment tout droit sorti de cette période. Le morceau atteint encore son sommet sur le passage instrumental avec ses harmoniques et le solo monumental de Kirk Hammett.

Murder One, avant dernier titre de ce double album, a été composé en hommage à Lemmy, le chanteur de Motörhead. Cependant plutôt que de sonner comme celui-ci, l’intro rappelle clairement celle de Fade To Black sur Ride The Lightning tandis que le développement de morceau reste dans le même esprit lourd et stoner que les deux précédents titres. Pour le dernier titre Metallica s’énerve enfin à nouveau. Spit Out The Bone s’inscrit dans la lignée des Whiplash, Damage Inc et My Apocalypse avec son riff acéré qui donne vraiment l’impression que le groupe a voulu garder le meilleur pour la fin. Nous avons même carrément le droit à un solo de basse sur ce titre qui a tout pour devenir un incontournables de la prochaine tournée même si ces sept minutes très intenses demanderont certainement un sacré effort au groupe. Une belle manière en tout cas d’achever ce disque qui passe au final bien trop vite malgré ses quatre vingt minutes.

Il serait dommage pour les fans de ne pas se procurer la version triple CD de Hardwired… To Self Destruct car même si cette troisième galette ne nous permettra pas d’écouter les versions démos des chansons comme initialement prévues, on on peut y entendre la version définitive du titre Lords Of Summer. Cette chanson jouée sur la tournée en 2015 et présenté comme le premier extrait du nouvel album n’a finalement pas trouvé sa place dessus alors que la chanson rend bien mieux en studio qu’en live. ses superbes cavalcades auraient largement bien mieux mérités leurs places sur le disque qu’un Now That We’Re Dead.

Ce troisième CD compile aussi l’excellent medley hommage à Ronnie James Dio paru sur un tribute où Metallica a vraiment magistralement imprimé sa patte sur les titres. Il y a aussi une reprise du When A Blind Man Cries de Deep Purple, belle ballade magnifiquement exécutée. En revanche la reprise de Remember Tomorrow d’Iron Maiden est beaucoup plus discutable car Lars Ulrich en rajoute inutilement des tonnes et gâche l’ensemble. Enfin le disque se termine par un live enregistré l’année dernière qui fait la part belle aux morceaux des deux premiers albums Kill’ EM All et Ride The Lightning.

Metallica nous avait appâté en dévoilant trois titres très agressifs mais au final Hardwired… To Self Destruct n’est pas le grand retour au pur Thrash Metal que certains auraient pu espérer. Cela n’enlève rien à l’excellence de ce dixième album qui n’hésite pas à s’inspirer de l’ensemble de la discographie de Metallica même si le deuxième CD rappelle plus l’ambiance de Load et Reload, le titre du disque « Programmé Pour L’Auto Destruction » reste d’ailleurs dans le jargon informatique ce qui aurait pu nous mettre la puce à l’oreille. Il faut se faire à l’idée, Metallica n’est plus qu’un simple groupe de Thrash Metal mais plutôt un groupe de hard rock à large palette et qui est loin d’avoir dit son dernier mot.

MON AVIS : 5/5

TRACKLISTING :

Disc 01 :

• 01. Hardwired
• 02. Atlas, Rise !
• 03. Now That We’re Dead
• 04. Moth In Flame
• 05. Am I Savage ?
• 06. Halo On Fire

Disc 02 :

• 01. Confusion
• 02. Dream No More
• 03. Man UNkind
• 04. Here Comes Revenge
• 05. Murder One
• 06. Spit Out The Bone

Disc 03 :

• 01. Lords of Summer (2016)
• 02. Ronnie Rising Medley (reprises de Dio)
• 03. When a Blind Man Cries (reprise de Deep Purple)
• 04. Remember Tomorrow (reprise d’Iron Maiden)
• 05. Helpless (Live at Rasputin Music)
• 06. Hit the Lights (Live at Rasputin Music)
• 07. The Four Horsemen (Live at Rasputin Music)
• 08. Ride the Lightning (Live at Rasputin Music)
• 09. Fade to Black (Live at Rasputin Music)
• 10. Jump in the Fire (Live at Rasputin Music)
• 11. For Whom the Bell Tolls (Live at Rasputin Music)
• 12. Creeping Death (Live at Rasputin Music)
• 13. Metal Militia (Live at Rasputin Music)
• 14. Hardwired (Live in Minneapolis)

LINE UP :

• JAMES HETFIELD : Chants et Guitares
• KIRK HAMMET : Guitares
• ROBERT TRUJILLO : Basses
• LARS ULRICH : Batterie

FICHE TECHNIQUE :

• PRODUCTEURS : Greg Fidelman avec Lars Ulrich et James Hetfield
• MIXAGE : Greg Fidelman
• GENRE : Thrash Metal
• LABEL : Blackened
• SITE OFFICIEL : https://metallica.com/
• DATE DE SORTIE : 18 novembre 2016

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Six mois à peine après la sortie de leur premier E.P., Gone Is Gone est déja de retour dans les bacs en janvier avec un premier album baptisé Echolocation.

Gone Is Gone est un nouveau groupe formé initialement par le compositeur Mike Zarin, spécialiste de la musique de bandes annonces de films, et le batteur Tony Hajjar qui officiait auparavant dans Sparta et qui vient de retrouver il y a peu ses anciens camarades de At The Drive In. Après avoir collaboré ensemble sur certaines bandes annonces ainsi que sur la musique de jeux vidéo, ils ont décidé de poursuivre leur travail en créant un véritable groupe. Ils ont alors choisi de faire appel à Troy Van Leeuwen, guitariste de Queens Of The Stone Age pour les aider à la composition et ont rapidement convaincu Troy Sanders, bassiste et chanteur de Mastodon, pour chanter dans le groupe et écrire les paroles des chansons. Malgré ce prestigieux line up, ils ne veulent pas se considérer comme un « supergroupe » éphémère mais comme un véritable groupe appelé à durer.

Ce qui est certain c’est que Gone Is Gone ne manque pas d’inspiration pour le moment car après un premier E.P. éponyme sorti en juillet 2016 qui comptai déjà huit titres, c’est avec onze nouvelles chansons que le quatuor est déjà de retour le 6 janvier 2016 avec leur premier album Echolocation. Un disque enregistré au Sencit Studios de Los Angeles et à la Casa De Leones Studios qu’ils ont eux même produit avant d’en laisser le mixage à  Ken Andrews du groupe Failure qui avait travaillé précédemment pour A Perfect Circle et Beck.

Impossible de coller une étiquette à Gone Is Gone pour véritablement qualifier leur musique. Si il se considère eux même comme un groupe de métal expérimental,  le groupe profite en fait des univers musicaux très variés de ses musiciens pour mélanger les genre et proposer un style différent sur presque chaque chanson. Echolocation commence par un titre bien planant et éthéré intitulé Sentient qui commence à la Pink Floyd avant que la basse et les guitares saturés donnent un aspect plus métal faisant un peu penser à Deftones.

Sur le second titre Gift, on sent clairement l’apport du guitariste Troy Van Leeuwen  pour un coté stoner à la Queens Of The Stone Age. Il faut en profiter car il s’agira ici d’un des titres les plus dynamiques de cet album grâce à la basse de Troy Sanders et un Tony Hajjar qui s’en donne à cœur joie derrière les fûts.C’est la même combinaison basse batterie qui tient encore le morceau suivant Resurge qui fait un peu penser à du Tool en moins sombre.

Choisi pour faire l’objet d’un clip le titre Dublin fait lui vraiment dans l’expérimental avec des arrangements très surprenants où la rythmique est assurée par des bruits métalliques étranges et où la guitare joue sur les harmoniques. Tout en restant toujours sur le même effet d’apesanteur, Ornament est un titre un peu dynamique où la batterie reprend du service avec une basse saturée apportant un peu plus de violence à ce titre qui pourrait faire penser à du Porcupine Tree.

Les bruits de guitares sur Pawns rappelle les débuts d’un titre de Megadeth alors que le reste du titre n’a plus rien à voir. C’est encore la basse qui porte le morceau alors que Troy Sanders est pourtant déjà bien occupé sur ses parties de chant. la lourdeur de ce titre devrait séduire les plus « métalleux » des fans de Gone Is Gone et Mastodon. Le calme revient sur Colourfade, ballade aux sonorités étranges encore porté par une magnifique ligne de basse et où le chanteur combine trois ou quatre styles de voix se mélangeant entre elles.

C’est par les paroles que l’on reconnaîtra la reprise du titre Roads de Portishead car les arrangements choisis par Gone Is Gone revisitent complètement la chanson originale avec plus de guitares et que Troy Sanders n’a clairement pas la même voix que Beth Gibbons et ne cherche de toute manière pas à l’imiter. Les deux chansons suivantes Slow Awakening et Fast Awakening forment un exercice amusant puisqu’il s’agit en fait exactement de la même chanson joué à des rythmes différents. D’abord plus lente voir presque même doom dans sa manière de faire traîner les guitares, elle devient dans Fast Awakening un titre carrément Punk qui est du coup presque deux fois plus court. Cela montre à quel point on peut jouer avec les chansons pour leur donner la couleur que l’on veut.

Gone Is Gone nous surprend encore avec le titre Resolve, simple ballade à la guitare acoustique accompagnée malgré tout d’arrangements sonores électroniques qui apportent un peu de profondeur au titre. L’album se termine par le titre Echolocation qui lui donne justement son nom, un morceau qui a tout pour devenir un hit en radio qui reflete bien toute la palette de styles de ce premier album tout en restant très accessibles pour toutes les oreilles. Du tube en puissance !

Gone Is Gone offre un mélange au potentiel énorme entre différents styles très éloignés mais ce premier album manque parfois un peu d’originalité tant on y ressent encore trop les nombreuses influences du groupe. Si on lui laisse le temps, le groupe pourrait bien nous surprendre dans la richesse de ses arrangements. Ce premier disque sort peut être trop vite après un premier E.P. et aurait mérité d’être encore enrichi mais les débuts sont déjà plus que prometteur.

MON AVIS : 4/5

TRACKLISTING :

• 01. Sentient
• 02. Gift
• 03. Resurge
• 04. Dublin
• 05. Ornament
• 06. Pawns
• 07. Colourfade
• 08. Roads
• 09. Slow Awakening
• 10. Fast Awakening
• 11. Resolve
• 12. Echolocation

LINE UP :

• Mike Zarin : Guitares / Claviers
• Tony Hajjar : Batterie
• Troy Sanders : Chant / Basse
• Troy Van Leeuwen : Guitares

FICHE TECHNIQUE :

• PRODUCTEUR : Gone Is Gone
• MIXAGE : Ken Andrews 
• GENRE : Metal Experimental
• LABEL : Rise Records 
• SITE OFFICIEL : http://goneisgoneofficial.com/
• DATE DE SORTIE : 6 janvier 2017

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Megadeth compte bien corriger le tir après le décevant Super Collider avec leur quinzième album Dystopia qui marque l’arrivée d’un nouveau line up et le retour de l’inspiration.

Comme à chaque fois où Dave Mustaine a voulu tenter une incursion vers une musique plus accessible voir peut être plus commercial, il s’est généralement planté. Super Collider comme Risk en sont les exemples les plus flagrants. Souhaitant récupérer ses fans les plus fidèles, le chanteur a souhaité faire revenir le guitariste Marty Friedman et le batteur Nick Menza pour un revival de la grande époque de Rust In Peace. Si cet événement ne s’est finalement pas concrétisé, cela a causé le départ de Chris Broderick et Shawn Drover que probablement personne ne regrettera.

C’est avec un nouveau line up que nous revient donc Megadeth pour Dystopia. Dave Mustaine a porté son dévolu sur le guitariste Kiko Loureiro, que les fans de Heavy Metal connaissent déjà bien comme pilier du groupe brésilien Angra, et sur le batteur Chris Adler de Lamb Of God. Porté par cet apport de sang frais, Dave Mustaine semble avoir retrouvé l’inspiration pour créer un nouvel album dans la lignée des œuvres les plus marquantes du groupe.

L’influence du guitariste brésilien semble se faire entendre dès les premières secondes du disque avec une courte intro mystique qui ne reflète pas vraiment vraiment l’univers futuriste de la pochette du disque. Lorsque commence vraiment le morceau The Threat Is Real nous sommes bien dans du pur Megadeth avec un riff saccadé soutenu par une double grosse caisse typique. Le second titre Dystopia qui donne son nom au disque surprend encore par une intro originale mais c’est l’ensemble du morceau en fait qui sonne vraiment comme une nouveauté avec un style assez accessible mais tout de même très énergique et une magistrale conclusion sur les deux dernières minutes qui nous ramènent tout droit à l’époque de Rust In Peace.

Le troisième titre Fatal Illusion est le premier qu’on avait pu découvrir en teasing de cet album. Le riff de basse de Dave Ellefson qui ouvre ce morceau est un pur moment d’anthologie, c’est en fait le cœur du morceau repris par la suite par les guitares et qui porte tout le morceau. Cette fois ci c’est carrément dans la période Peace Sells que nous ramène la fin de ce morceau avec un riff féroce porté par une pluie de solos et la batterie énervée de Chris Adler. Dans la quatrième chanson Death From Within, c’est les influences blues de Dave Mustaine qui reviennent comme bien souvent dans le riff principal privant ce morceau d’originalité mais pas d’efficacité surtout quand arrive le moment des solos couplées de Dave Mustaine et Kiko Loureiro.

L’intro de Bullet To The Brain avec son roulement de caisse claire a une allure militaire mais c’est aussi là encore un titre vraiment moderne et efficace que nous offre Megadeth qui arrive enfin à nous offrir des titres accessibles sans sombrer dans l’horripilant comme sur le précédent disque. Post American World est peut être le titre le moins inspiré de cet album avec des riffs déjà trop entendus et sans véritable surprise, il faudra encore attendre le passage instrumental des solos pour que le morceau prenne vraiment son envol et gagne enfin beaucoup d’intérêt.

Poisonous Shadows commence par une très belle intro à la guitare acoustique signée Kiko Loureiro qui inaugure encore ici l’un des plus grand titre de cet album sur lequel les musiciens sont accompagné sur les refrains d’un orchestre à cordes. Le titre n’est cependant pas un ballade car les accords sont puissants et Chris Adler se lâche en double croche à la grosse caisse. Il s’achève par une outro au piano encore joué par le brésilien, un instrument assez rare dans la carrière du groupe depuis leur premier album. Le titre suivant Look Who’s Talking est un des bonus track de l’édition collector, un morceau qui serait de dommage de se passer tant il est énergique et frais.

Encore une autre superbe intro à la guitare inaugure le titre Conquer Or Die, elle fait beaucoup penser à du Angra mais se transformera pourtant en riff 100% Megadeth en passant à la guitare électrique. C’est un morceau totalement instrumental que nous offre ici Megadeth. Autant dire que c’est une pure merveille qui s’enchaîne très bien avec le morceau suivant Lying In State un titre bien rentre dedans qui n’a pas la structure habituelle du couplet refrain pour délivrer un texte incisif.

The Emperor est encore une des perles de cet album avec son refrain formidablement efficace qui reste en tête. C’est vraiment la batterie qui semble faire toute cette chanson comme si la guitare n’était là pour une fois que pour l’accompagnement. Last Dying Wish, second bonus track est un  des titres les plus rentre dedans de l’album. Dave Mustaine y chante comme dans un vieux haut parleur sur les couplets et reprend sa voix normale sur les refrains. Là encore la section rythmique de Chris Adler et Dave Ellefson apporte une férocité au titre vraiment parfaite. Dernier titre mais pas des moindres Foreign Policy clôture avec une énergie presque punk ce nouvel album comme une bosse grosse baffe histoire de laisser une impression bien marquante. On peut même y entendre Chris Adler jeter ses baguettes et un larsen des guitares en guise de « fuck off ».

C’est un véritable plaisir de retrouver un Megadeth au sommet de sa forme avec ce Dystopia. Dave Mustaine semble enfin avoir retrouver la recette pour nous pondre une galette comme il en avait le secret à l’époque où il abusait de substances illicites. Megadeth arrive enfin à allier titres puissants et d’autre plus accessibles sans sombrer pour autant dans la facilité et évite aussi de se montrer trop démonstratif comme il a pu le faire sur Endgame tout en nous collant de sévères baffes dans les passages instrumentaux. Nul doute que ce nouveau line up marquera les esprits aussi fort qu’avait pu le faire celui de la période Rust In Peace.

MON AVIS : 5/5

TRACKLISTING :

• 01. The Threat Is Real
• 02. Dystopia
• 03. Fatal Illusion
• 04. Death From Within
• 05. Bullet To The Brain
• 06. Post American World
• 07. Poisonous Shadows
• 08. Look Who’s Talking (bonus track)
• 09. Conquer Or Die
• 10. Lying In State
• 11. The Emperor
• 12. Last Dying Wish (bonus track)
• 13. Foreign Policy

LINE UP :

• Dave Mustaine : Chant, Guitares
• Dave Ellefson : Basse
• Kiko Loureiro : Guitares, Piano
• Chris Adler : Batterie

FICHE TECHNIQUE :

• PRODUCTEUR : Dave Mustaine
• MIXAGE : Josh Wilbur
• GENRE : Thrash Metal
• DURÉE : 54:53 minutes
• LABEL : Universal Music
• SITE OFFICIEL : http://www.megadeth.com/
• DATE DE SORTIE : 22 janvier 2016

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Six ans après World Painted Blood, Slayer revient avec Repentless un album marqué par la disparition tragique du guitariste Jeff Hanneman, principal compositeur du groupe, et le limogeage sans ménagement du batteur Dave Lombardo. De quoi légitimement s’inquiéter sur la réussite de cet album.

La question se pose, Slayer devait il continuer sans Jeff Hanneman? le guitariste est en effet à l’origine des plus grands chansons du groupe à ce jour avec un don pour réussir à mélanger des riffs ravageurs et un sens de la mélodie venu de ses influences heavy metal. C’est Kerry King qui se retrouve donc désormais seul compositeur de ce nouvel album qui poursuit dans une veine entre thrash et punk plus proche de ses influences avec toujours la volonté de montrer que malgré les années Slayer est toujours le maître du thrash metal.

La nouvelle formation de Slayer intègre désormais le guitariste Gary Holt, pilier du groupe Exodus, qui remplaçait déjà Jeff Hanneman sur scène depuis que le guitariste souffrait d’une nécrose du bras. C’est cependant un cancer du foie qui a emporté le musicien donnant à Gary Holt l’opportunité de rejoindre définitivement Slayer.  Repentless marque aussi le retour derrière les fûts du batteur Paul Bostaph qui avait déjà remplacé Dave Lombardo entre 1994 et 2002.

Avec Repentless, Slayer semble opérer un retour à la période Divine Intervention, un album déjà dominé par les compositions de Kerry King quasiment omniprésent et par l’arrivée de Paul Bostaph dans le groupe. Le son de Repentless est très semblable à celui de ce disque de 1994. Il sort aussi un 11 septembre comme ce fût le cas de God Hate Us All sorti le terrible jour de l’attaque du World Trade Center en 2001. Ne pouvant se mettre d’accord avec le producteur Rick Rubin, Slayer a quitté American Recording pour Nuclear Blast et a fait appel à l’incontournable Terry Date (Soulfly, Deftones) pour produire Repentless.

Après Delusions Of Saviour, une introduction toute instrumentale totalement épique, Slayer commence les offensives avec Repentless affichant clairement que le groupe veut avancer malgré tout. Un titre très agressif qui donne le ton, Slayer s’impose en maître sur son trône du thrash rentre dedans mélangeant le punk le plus hardcore. Le troisième titre Take Control commence aussi fort mais se calme un peu sur les refrains. Le son se fait très lourd sur Vices mais le titre est moins rentre dedans que les deux premiers, il demande cependant un travail considérable au batteur Paul Bostaph en breaks et double grosse caisse.

Les choses se calment un peu sur les titres suivants Cast The First Stone et surtout When The Stillness Comes qui misent tout deux sur une ambiance plus heavy. Le chant de Tom Araya est pour une fois bien calme sur les couplet de ce dernier titre. Il reprend cependant très vite les gueulantes sur Chasing Death où Paul Bostaph y va de son coté à fond en double pédale. L’intro de Implode sera bien trompeur lorsque le titre se révèle à juste titre dès son premier couplet. C’est du Slayer féroce comme ils nous en servent depuis les années 90

Sur cet album, Slayer n’hésite pas à faire du recyclage en proposant une nouvelle version du titre Atrocity Vendor déjà sorti sur la face B du single World Painted Blood qui devient du coup une des meilleures chanson de ce nouvel album et d’utiliser tout de même une composition de Jeff Haneman,  Piano Wire sur lequel nous n’aurons cependant pas l’occasion de l’entendre puisque les deux titres ont étés réenregistré avec le nouveau line up. Piano Wire montre bien la supériorité du regretté Jeff Hanneman dont on n’aurait malheureusement pas d’autre occasion de réentendre à moins que Slayer ne trouve  d’autres fonds de tiroirs.

You Against You choisi pour le deuxième clip surprend dans son intro par ses interruptions soudaines. Le reste du titre n’est cependant que du Slayer très classique mais diablement efficace dans sa brutalité. Repentless se termine par un Pride In Prejudice mid tempo où Tom Araya peut poser un peu plus son chant. Les solos sur l’ensemble de l’album ressemble exactement à ceux des précédents disques sans réels surprises en dehors du fait que Gary Holt a apparemment pas eu de mal à s’adapter et forme un duo parfait avec Kerry King.

Une impression de déjà entendu domine l’ensemble de ce douzième album de Slayer. Cependant on ne peut s’empêcher d’aimer cette déferlante de riffs acérés au son lourd. Même sans son guitariste Jeff Hanneman, le groupe a peut être encore quelques belles années à vivre. On sait déjà depuis 94 que Slayer ne cherche plus vraiment à innover et nous sert régulièrement la même formule mais peut on vraiment leur en vouloir à une époque où même les jeunes groupes cherchent à sonner old school ? On a quand meme connu Slayer plus en forme, peut être qu’avec des titres composés en collaboration avec Gary Holt, le prochain disque pourra se montrer un peu plus surprenant.

MON AVIS : 4/5

TRACKLISTING :

• 01. Delusions of Saviour
• 02. Repentless
• 03. Take Control
• 04. Vices
• 05. Cast the First Stone
• 06. When the Stillness Comes
• 07. Chasing Death
• 08. Implode
• 09. Piano Wire
• 10. Atrocity Vendor
• 11. You Against You
• 12. Pride in Prejudice

LINE UP :

• Tom Araya : Chant, Basse
• Kerry King : Guitares
• Gary Hoult : Guitares
• Paul Bostaph : Batterie

FICHE TECHNIQUE :

• PRODUCTEUR : Terry Date
• MIXAGE : Terry Date
• GENRE : Thrash Metal
• DURÉE : 41 minutes
• LABEL : Nuclear Blast
• SITE OFFICIEL : http://www.slayer.net/
• DATE DE SORTIE : 11 septembre 2015

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Lorsque Blackstar est sorti le 8 janvier 2016 tous les fans pensaient que David Bowie avait choisi de nous gâter pour son soixante neuvième anniversaire. Nous étions alors tout heureux, d’avoir un nouvel album un peu moins de trois ans après la sortie de The Next Day qui avait mis fin à un silence radio de dix ans. Deux jours plus tard c’était le choc, le chanteur venait de perdre une bataille de dix huit mois contre un cancer du foie qu’il avait caché à tout le monde. Ce vingt cinquième album prenait alors des allures de lettre d’adieu dans laquelle les fans se sont plongé pour décortiquer tous les messages.

Après The Next Day qui revenait avec nostalgie sur sa période berlinoise, David Bowie avait choisi pour Blackstar de revenir à une musique plus expérimentale avec des sonorités jazz, electro et Drum N’ Bass qui rappellent ses albums Outside et Earthling sortis à la fin des années 90. Pour celà il s’est entouré d’un groupe de jazz mené par le saxophoniste Donny McCaslin qu’il avait découvert peu de temps avant dans un club new yorkais et avec lequel il avait déjà enregistré l’inédite Sue (Or In A Season Of Crime) pour le dernier best of Nothing Has Changed sorti en février 2014.

L’album commence par le titre Blackstar qu’on avait pu découvrir bien en avance en guise de générique de la série Panthers sur Canal + et qui a fait l’objet du premier clip sorti en novembre 2015. Ce morceau particulièrement surprenant et original donne le ton pour le reste de l’album. Une batterie entre jazz et drum n’ bass qui porte des nappes de saxophones et de sonorités électro. David Bowie y chante avec une voix très éthérée qui au regard des événements parait presque maintenant fantomatique avec ses chœurs en « ouh-ouh ». Subitement en pleine moitié de ce morceau de neuf minutes et 59 seconde vient se glisser un interlude pop encore plus surprenante par ses accents faisant penser à la période Let’s Dance puis il marque un retour à la noirceur des débuts avec l’ajout de flûtes en remplacement des saxos. Un splendide titre qui prouve que jusqu’à la fin David Bowie était un véritable génie avec toujours une longueur d’avance sur les autres.

Le second titre ‘Tis A Pity She Was A Whore était déjà connu de ceux qui avait acheté le single de Sue (Or In A Season Of Crime) puisque elle en était la face b. La chanson a tout de fois était entièrement réenregistré pour Blackstar et cette première version paraît désormais comme une démo par rapport à la version de l’album. La batterie est encore plus présente sur ce titre avec un rythme Drum N’ Bass joué sans l’aide d’ordinateur par le talentueux batteur Mark Guilana dont c’est un peu la marque de fabrique. Le titre se rapproche beaucoup de Jump They Say de l’album Black Tie White Noise avec sa basse et le saxo endiablé accompagné d’une ligne de piano que n’aurait pas renié Mike Garson.

Lazarus, troisième titre de l’album, est celui qui paraît désormais comme une lettre d’adieu adressée au monde. La chanson commence par les mots terribles « Look Up Here, I’m In Heaven. I’ve Got Scars That Can’t Be Seen » (regarde en l’air je suis au Paradis, j’ai des cicatrices que l’on ne peut voir). Le clip dévoilé la veille de la sortie du disque nous montrait un David Bowie dans un lit d’hôpital filmé par le dessus comme lorsque l’âme quitte le corps. Lazarus c’est aussi le titre qui donne son nom à la comédie musicale inspirée du film L’Homme Qui Venait D’Ailleurs qui se joue actuellement à New York. Une chanson très mélancolique porté par des cuivres qui semblent pleurer et une basse dynamique qui sert de ligne conductrice. David Bowie y joue des accords de guitare électrique qui ponctue la seconde partie de la chanson et la termine seule avec le bruit de ses doigts qui glissent sur les cordes pour un dernier moment d’émotion.

Sue (Or In A Season Of Crime) continue l’album avec une version également réenregistrée pour Blackstar. Vraiment très jazz dans sa première version, le titre bénéficie maintenant d’une guitare électrique qui reprend la ligne de contrebasse présente auparavant. Les arrangements de cuivres sont toujours les mêmes mais sont un peu plus en retrait avec l’ajout d’une réverbération et de sons électroniques. Le batteur se donne encore à cœur joie avec un rythme jazz complexe. Cette chanson aurait bien trouvé sa place dans Outside par son ambiance. A se demander même si elle ne fait pas parti des inédites prévues pour la suite de ce projet abandonné.

La cinquième chanson Girls Loves Me est la plus étrange de l’album avec des phrases, qui n’ont pas l’air d’avoir vraiment de sens, lancées en écho sur un rythme de batterie jouant beaucoup sur les cymbales charleston et une basse très présente. Ce sont les très beaux arrangement de cordes joué par Tony Visconti qui donneront son intérêt à ce titre très curieux qui pour le coup ne nous rappelle rien de ce que David Bowie a pu faire jusque là. Certainement le titre le plus expérimental et le moins accessible de cet étonnant album.

Dollar Days est la balade de cet album un titre magnifique principalement au piano et à la guitare acoustique sur lequel David Bowie semble avoir la nostalgie de son Angleterre natale. Des solos de saxophone viennent apporter à ce titre une émotion supplémentaire. Une très belle chanson probablement la plus accessible pour le grand public, qui mériterait de faire l’objet d’un single.

Le début de I Can’t Give You Everything nous fait penser aux titres Underground et Stranger When We Meet de par son synthé aux sonorité old school et sa batterie qui ressemble à une boite à rythme. Mais là ou ces deux chansons était plutôt du genre joyeuse, celle ci est plus triste dans ces paroles puisqu’elle semble parler du secret qu’il a gardé pendant toute sa bataille contre le cancer, son titre pouvant être traduit par Je ne peux pas tout révéler. Une chanson sous forme de confession qui reflète ce qu’a du être cette période difficile pendant laquelle le chanteur a caché son état de santé. Le saxophoniste Donny McCaslin s’y donne encore à cœur joie avec de nombreux solos parfois tristes parfois enjoués mais souvent complètement fous.

TRACKLISTING :

• 01. Blackstar
• 02. ‘Tis A Pitiy She Was A Whore
• 03. Lazarus
• 04. Sue (Or In A Season Of Crime)
• 05. Girls Loves Me
• 06. Dollar Days
• 07. I Can’t Give Everything Away

LINE UP :

• David Bowie : Chants, Guitares
• Jason Lindner : Piano, Orgue et Claviers
• Ben Monder : Guitare
• Tim Lefevre : Basse
• Donny McCaslin : Flûte, Saxophone, Bois
• Mark Guilana : Batterie, Percussions
• Tony Visconti : Cordes
• James Murphy : Percussions
• Erin Tonkon : Chœurs

FICHE TECHNIQUE :

• PRODUCTEURS : David Bowie &Tony Visconti
• MIXAGE : David Bowie & Tony Visconti
• GENRE : Pop, Jazz, Drum N’ Bass, Electro
• DUREE : 41 minutes et 18 secondes
• LABEL : Iso Records / Sony Music Columbia
• DATE DE SORTIE : 8 janvier 2016
• SITE OFFICIEL : http://www.davidbowie.com/

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C’est dans le plus grand secret que les membres de la Vierge De Fer sont venus enregistrer leur nouvel album à Paris au célèbre studio Guillaume Tell en fin d’année 2014. Une fois le disque en boîte, le groupe n’a cependant pas pu nous annoncer tout de suite la bonne nouvelle car le chanteur Bruce Dickinson apprenait au mois de décembre qu’il était atteint d’un cancer. Préférant attendre que son chanteur se rétablisse pleinement, Iron Maiden a donc choisi de reporter leur plans et c’est seulement en septembre 2015 que sort enfin ce nouvel album The Book Of Souls.

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Fondé en 1997 par Max Cavalera après qu’il ait claqué la porte de Sepultura alors en plein succès, Soulfly sort en cette année 2015 son dixième album Archangel. Un cap dans la carrière d’un groupe que le chanteur ne voulait certainement pas rater. Un album plus court et plus dense qui délaisse totalement les influences tribales des débuts pour une approche plus mystique inspirée par l’Ancien Testament. Le coup de pression que s’est imposé le vocaliste et principal compositeur aura t’il porté ses fruits ?

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De nos jours, il devient de plus en plus dur de trouver un groupe qui apporte un souffle nouveau dans le paysage musical. Cette bouffée d’air frais assez inattendue nous vient encore une fois d’un pays nordique et plus particulièrement de Suède. Son nom est Ghost, un groupe qui en l’espace de sept ans a réussi à s’imposer avec un look étonnant et un mélange d’influences diverses. En ce mois d’août 2015 sort leur troisième album Meliora qui aura la lourde tâche de confirmer ou pas tout le bien que l’on pense de ce sextuor au look hors normes.

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Après avoir dignement fêter leur vingt cinq ans de carrière avec un excellent album de reprises, Les Finlandais de Waltari sont de retour avec leur treizième album studio hors compil et projets parallèles You Are Waltari. Une façon pour le groupe de remercier leurs fans les plus fidèles qui les soutiennent depuis toutes ces années avec un nouvel album qui ne les décevra certainement pas.

C’est sous la forme d’un collectif que se présente désormais Waltari. Autour des membres d’origines : le chanteur / bassiste Kärtsy Hatakka, et les guitaristes Sami Yli-Sirniö et Jariot Lehtinen se greffent autour du récent batteur Ville deux nouveaux guitaristes Kimmo et Nino qui ont déjà fait leurs preuves en tant que remplaçants lors des dernières tournées et qui sont désormais intégrer officiellement au line up du groupe ainsi qu’un nouveau claviériste Jani.

Six ans après Below Zero, le nouvel album You Are Waltari continue à nous proposer le même mélange de styles qui fait le succès du groupe depuis des années. Ce nouveau disque est une nouvelle fois la fusion d’un métal aux guitares acérées couplées à des rythmes disco, du thrash, du death, de la pop, du rap et des surprises comme seuls nos finlandais préférés savent le faire.

Après un bruit de moteur qui nous promet de partir pour un nouveau incroyable voyage, le disque commence par le titre 12 où guitares et synthé s’entremêlent pour un titre très dynamique où Kärtsy pousse la voix jusqu’au growl. Tranquality grossit le son des guitares et laisse la place à un rap sur un jeu de charleston vraiment impressionnant. Un titre par moment presque R’N’B mais aussi agressif qui confirme que Waltari n’en a pas fini avec les mélanges de genre déconcertants et où le batteur Ville nous impressionne déjà.

Gros riff encore pour le titre suivant Solutions au refrain très efficace mélange de thrash et de pop où tout le groupe chante en chœurs sur les refrains. Des chants death et des breaks dynamiques pour un titre bien pêchu. Première surprise de ce nouvel album, le titre Only The Truth commence de manière tribale avant des sonorités plus électroniques. Le riff sur le refrain qui sonne très Waltari donne une grosse efficacité à ce titre choisi comme second single.

Mountain Top est une nouvelle prouesse à la batterie avec une rythmique complexe joué par Sale Suomalainen tout premier batteur de Waltari en invité spécial. Avec son chant encore rappé et une guitare lead très présente ce titre sonne aussi un peu old school période Big Bang sur son refrain. Right Wing Theme est sans contestation possible le titre le plus surprenant de cet album. Lorsqu’il commence on a carrément l’impression d’avoir changé de disque. Une chanson acoustique avec harmonica très amusante que l’on sifflotera avec eux et qui figure sur le CD en version finlandaise et sur Spotify dans une version en anglais.

Histoire de nous surprendre encore plus après cette respiration, le titre Strangled est un pur morceau de Grind Core qui démontre que les musiciens de Waltari sont vraiment capable de tout. De l’ultra-violence qui débouche les oreilles et promet un véritable carnage si elle est jouée en concert. Retour à des sonorités plus électro et beaucoup plus calme sur le titre Keep It Alive où les guitares n’arriveront que sur le refrain. Un des titres les plus accessibles de cet album capable de plaire à un large public si on voulait faire découvrir Waltari à des non initiés.

Les guitares reprennent leur revanche sur l’intro de Singular qui enchaîne sur une rythmique disco avec solo d’accordéon. Il s’agit en fait ici du morceau phare de ce nouvel album qui change de style après son deuxième refrain avec une interlude rap et guitare funk proche de l’ambiance des premiers Waltari. Après le troisième refrain on change encore pour une partie qui rappelle les symphonies signées par Kärtsy même si il n’y a pas d’orchestre ici. Le morceau s’enchaîne sans que l’on s’en rendent compte avec le morceau Not Much To Touch You musicalement très riche avec un jeu de double pédale et une rythmique à la guitare qui continue à faire symphonique. On y trouve aussi les plus beaux solos de cet album.

Sur un rythme de basse saturée et de cuivres joués au synthé le morceau HyväoliHyväoli donne une nouvelle occasion au chanteur de rapper. Un titre vraiment étrange sur lequel les guitares ne font que quelques rares accords de puissance pour assurer un coté toujours métal à ce morceau. Les guitares se font à nouveau très lourdes sur Drag presque à la manière de Meshuggah mais contrasté par un rythme de batterie disco et des notes de synthé trés eighties sur les interludes.

Waltari ressort les guitares acoustiques sur Televizor pour une sorte de ballade guitare / voix en finlandais. Un morceau très simple chanté par Jariot qui y joue aussi du mélodica. L’album se termine par Diggin’ The Alien, le premier extrait que nous avions pu découvrir de ce nouvel album. Un titre très dansant dans sa rythmique et à la fois très accessible. Le son des guitares y est plus soft même si on reconnait toujours la patte de Waltari. Un titre parfait pour la promotion de cet album.

TRACKLISTING :

• – 01. 12
• – 02. Tranquality
• – 03. Solutions
• – 04. Only The Truth
• – 05. Mountain Top
• – 06. Right Wing Theme
• – 07. Strangled
• – 08. Keep It Alive
• – 09. Singular
• – 10. Not Much To Touch You
• – 11. HyväoliHyväoli
• – 12. Drag
• – 13. Televizor
• – 14. Diggin The Alien

LINE UP :

• – Kärtsy Hatakka : Chants, Basse, Claviers, Percus,
• – Sami Yli-Sirniö : Guitares
• – Jariot Lehtinen : Guitares et chœurs
• – Kimmo Korhonen : Guitares
• – Nino Silvennoinen : Guitares
• – Ville Veiko Vehviläinen : Batterie
• – Jani Höllli : Claviers

FICHE TECHNIQUE :

• – PRODUCTEURS : Aleksanteri Kuosa & Waltari
• – GENRE : Fusion
• – DURÉE : 54:50
• – DATE DE SORTIE : 10 mars 2015 (import) / 22 juin 2015 (France
• – LABELS : Rodeostar / SPV / Bad Reputation (France)
• – SITE OFFICIEL : http://www.waltarimusic.com/​
• – BLOG OFFICIEL FRANÇAIS : http://waltarifrance.over-blog.com/​

A LIRE AUSSI :

• – la chronique de COVERS ALL : http://xav-b.over-blog.com/article-108664632.html
• – la chronique de RELEASE DATE : http://xav-b.over-blog.com/article-6029932.html
• – la chronique de BLOOD SAMPLE : http://xav-b.over-blog.com/article-2866820.html

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Une pochette qui reprend le visuel de Heroes, second volet de la « trilogie Berlinoise ». Where Are We Now, un clip nostalgique comme premier extrait du disque dont les paroles parlent de Berlin. Tout laisserait croire que Bowie nous sert avec The Next Day, une sorte de quatrième disque à sa trilogie. Ce ne sont d’ailleurs pas les deux premiers titres de cet album qui contrediront cette pensée. Dès les premières notes, le son des guitares et la reverb sur la voix sur le titre The Next Day qui ouvre ce disque nous replonge immédiatement dans cette période tandis que le Saxo et  les guitares étranges de Dirty Boys continuent cette remontée dans le temps.

On se rend vite compte que ce nouvel album ressemble a une sorte de best of, chaque titre rappelant l’univers de l’un des précédents albums du chanteur comme si il s’agissait d’une collection de chutes de studios issus de toute la carrière du chanteur. Troisième titre de l’album The Stars (Are Out Tonight) s’inscrit plus dans la lignée du précédent album Reality et pourrait presque même être considéré comme la suite de New Killer Star tant le titre partage de similitude dans le titre et la musique.

Sur Valentine Day c’est carrément l’esprit des débuts pop des Sixties tandis que If You Can See Me reprend le Drum & Bass de l’album Earthling. Dancing Out In Space et (You Will) Set The World On Fire rappellent les sonorités Eighties de Let’s Dance,  Mais de toutes ces chansons, la meilleure est certainement Boss Of Me qui a elle seule mélange plusieurs période avec une basse slappé et des belles lignes de cuivres avec un son très moderne.

La majorité des titres s’inscrivent quand même plus dans la lignée de Heathen : Love Is Lost, Where Are We Now ?, I’d Rather Be High, You Feel So Lonely You Could Die, Des morceaux plus lents aux sonorités un peu atmosphériques. Sublimes titres souvent tristes mais magnifiés par la voix de David Bowie qui n’a rien perdu en dix ans d’inactivité. On y sent bien la patte du producteur Tony Visconti qui avait déjà su donner ce son si particulier à Heathen.

L’édition Deluxe de l’album comporte trois titres supplémentaires qui méritent sincèrement de rajouter quelques euros de plus. So She, autre morceau réussi dans la lignée des titres un peu plus enjoués d’Heathen, l’instrumentale Plan ramène à la trilogie berlinoise, on peut l’entendre en intro du clip The Stars ‘Are Out Tonite. Pour finir la très enjouée I’ll Take You There donne envie de chanter en chœur et conclu parfaitement cet album. A noter qu’une nouvelle version du disque vient aussi de sortir avec plus d’inédites, des remix et les clips en DVD.

Pour ce nouvel album, David Bowie a réuni autour de lui quelques habitués Gerry Leonard et Earl Slick à la guitare, Gail Ann Dorsey à la basse et Zachary Alford de retour à la batterie. Les sessions d’enregistrement s’étant étalées sur de courtes périodes sur plusieurs années. On ne retrouve pas forcement les mêmes à chaque poste sur tous les titres. De nouveaux musiciens talentueux rejoignent aussi le chanteur sur cet album comme le bassiste Tony Levin qui a travaillé avec King Crimson, Pink Floyd et Liquid Tension Experiment ou le moins connu David Torn à la guitare. Tous étaient bien sur tenus au secret de ne rien révéler des projets du chanteur.

Peu importe que ces morceaux datent un peu ou soient vraiment tout neufs  tant le résultat console d’avoir été privé pendant dix ans d’un nouvel album de David Bowie. Le chanteur ne s’est cependant pas énormément montrer ces derniers temps en dehors des clips mais on espère que The Next Day marque son véritable retour et qu’on aura pas autant de temps à attendre pour un autre disque et peut être une tournée ?

MON AVIS : 5/5

TRACKLISTING :

FICHE TECHNIQUE :

• PRODUCTEUR : David Bowie & Tony Visconti
• GENRE : Pop Rock
• SITE OFFICIEL : http://www.davidbowie.com/
• DATE DE SORTIE : 11 mars 2013

A LIRE AUSSI :

•   la critique de LE PRESTIGE avec David Bowie : http://xav-b.over-blog.com/article-4609550.html
•  la critique de ARTHUR ET LES MINIMOYS avec David Bowie : http://xav-b.over-blog.com/article-4951197.html

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A l’exception des coffrets collector Live Shit : Binge & Purge, Français Pour Un Soir et Orgullo Pasion Y Gloria regroupant CD et DVD, Metallica n’avait jamais sorti de CD live seul. Le groupe avait bien sorti son concert symphonique S&M avec Michael Kamen en double CD et mis en vente quasiment toutes les dates de ces récentes tournées en téléchargement sur leur site mais c’est bien la première fois qu’un veritable live sort au format CD. Deux éditions sont disponibles pour ce Through The Never : un sublime digipack que l’on trouve que dans certaines boutiques et sur le web et un boitier simple assez vilain, faîtes le bon choix !

Depuis le Black Album, Metallica a divisé ses fans sur sa discographie. Chacune des sorties a demandé aux fans de s’y habituer ou non. Si certains de ces disques sont maintenant bien adoptés, d’autres comme Lulu, leur collaboration avec Lou Reed, ou St. Anger et sa batterie au son de poubelle n’ont toujours pas trouvé leur place dans le coeur d’une majorité des fans. Cependant si il y a un endroit où le groupe fait encore l’unanimité c’est bien sur scène avec des concerts sold out même dans les coins les plus reculés de la planète, Through The Never en sera certainement le meilleur témoignage.

La setlist de ce concert est d’ailleurs conçu comme une sorte de best of du groupe explorant quasiment tous les albums du groupe. Trois titres de Ride The Lightning, Master Of Puppets et du Black Album, Deux titres de …And Justice For All et Reload et seulement un seul titre de Kill’Em All et de Death Magnetic. Si James Hetfield annonce en début du 2ème CD qu’ils joueront des titres de chaque album, il manque cependant des titres de St Anger et Lulu. Deux albums totalement délaissé des dernières tournée du groupe. Si pour Lulu on comprend qu’il s’agit d’une sorte de projet parrallèle assez décrié, le malaise dans lequel a été enregistré St. Anger semble avoir donner l’envie au groupe de ne plus s’attarder sur ce disque. On sait que quatre autres titres dont Seek & Destroy ont du être coupé dans le long métrage et qu’ils reviendront dans l’édition blu-ray en revanche le morceau Through The Never qui a donné son nom au film est lui bel et bien absent.

Through The Never n’est cependant pas tout à fait un live comme les autres mais bien une bande originale. On peut en effet y entendre les faux problèmes techniques que l’on peut voir dans le film : panne de micro sur Ride The Lightning et le gros accident sur la fin de Enter Sandman. Mais à la différence du film, on gagne sur le CD la version complète de Wherever I May Roam dont seulement l’intro est conservé dans le long métrage et la dernière partie de Battery. Autre raison de posséder ce double CD, la réinterpretation d’Orion qui sert de générique de fin au film. Une sorte de version 2013 un peu moins réussi que l’originale mais qu’il est cool d’entendre en live.

De tous les enregistrements disponibles du groupe aucun n’avait jusque là sonné aussi bien. Le son est chaud et puissant pour coller aux spectaculaires images de la version Imax du film. Le groupe semble s’etre particulièrement appliqué pour l’interprétation des chansons. James Hetfield chante vraiment très bien même si il se permet quelques changement dans les paroles, Kirk Hammett semble cette fois ci avoir révisé ses solos, Lars Ulrich est cependant le plus approximatif avec des simplification de ses parties comme sur …And Justice For All. Le CD est l’occasion d’entendre les différents arrangements de Robert Trujillo sur le répertoire du groupe, enrichissant certaines lignes de basses. Certains crieront au scandale mais c’est quasiment les seules variations sur les arrangements que se sont permis le groupe en trente ans de carrière.

Cet album est avant tout un objet collector indispensable pour tout bon fan qui se respecte, certes on aurait préféré quelques chansons un peu plus rares mais avec sa setlist en forme de best of c’est aussi un bon moyen de découvrir le groupe plus que le film en lui même dont le volume et les images chocs pourraient effrayer les néophytes.

MON AVIS : 5/5

TRACKLISTING :

LINE UP :

• JAMES HETFIELD : Chants & Guitares
• LARS ULRICH : Batterie
• KIRK HAMMETT : Guitares
• ROBERT TRUJILLO : Basse

FICHE TECHNIQUE :

• PRODUCTEUR : Greg Fidelman
• GENRE : Metal
• SITE OFFICIEL : http://www.throughthenevermovie.com/
• DATE DE SORTIE : 23 Septembre 2013

A LIRE AUSSI :

•  la critique du film METALLICA – THROUGH THE NEVER : http://xav-b.over-blog.com/article-120523802.html
•  la chronique du DVD METALLICA – THE VIDEOS : http://xav-b.over-blog.com/article-4787959.html

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TRACKLISTING :

 – 01. Every Inch Of You (3:05)

 – 02. Nothin’s Gonna Stop Us (2:45)

 – 03. With A Woman (3;41)

 – 04. Keep Me Hangin’ On (3:01)

 – 05. Living Each Day Blind (5:07)

 – 06. Everybody Have A Good Time (4;48)

 – 07. She Just A Girl, Eddie (3:47)

  – 08. Forbidden Love

 – 09. Concrete (3:52)

 – 10. Street Spirit (Fade Out) (3:07)

 – 11. Love Is Not The Answer (3:43)

 – 12. I Can’t Believe It’s Not Love (Acoustic Demo) (3:43)

 – 13. Love Is Not The Answer (Acoustic Demo) (3:47)

 – 14. Pat Pong Ladies (Demo Mix) (3:58)

 – 15. Cannonball (Long Version) (4:20)

LINE UP : 

 – JUSTIN HAWKINS : Chants, Guitares & Piano

 – DAN HAWKINS : Guitares

 – FRANKIE POULLAIN : Basse

 – ED GRAHAM : Batterie

FICHE TECHNIQUE :

 – PRODUCTEURS : Dan & Justin Hawkins & Nick Brine

 – GENRE : Glam Rock

 – DUREE : 56:31

 – SITE OFFICIEL : http://www.theactualdarkness.com/

 – DATE DE SORTIE : 20 Août 2012

CHRONIQUE : Encensé par une presse dithyrambique pour leur premier album Permission To Land, The Darkness
s’était vu descendre en flamme à la sortie de leur second album, l’ambitieux One Way Ticket To Hell And Back. Malgré d’indéniables qualités, ce second opus plus élaboré et
clairement influencé par Queen n’avait pas séduit les journalistes qui avait craqué sur le glam rock du premier album. The Darkness s’est alors réellement
retrouvé en enfer sans billet de retour avec les problèmes de drogue de leur leader Justin Hawkins et sa dépression face aux mauvaises critiques. Le groupe fini par exploser,
Justin Hawkins a par la suite mené des projets solos et a sorti sous le nom d’Hot Leg un album passé totalement inaperçu tandis que le reste du groupe continuait
sous le nom Stone Gods avec un album qui n’a pas eu plus de succès en dehors de l’Angleterre.

Alors qu’on y croyait plus le groupe a fini par se reformer dans son line up d’origine en 2011 retrouvant leur chanteur Justin Hawkins et même le bassiste Frankie
Poullain qui avait quitté le groupe avant la sortie de leur second album. Pour se remettre en jambe The Darkness a commencé par une tournée de reformation dont le succès
a permis au quatuor d’envisager l’enregistrement d’un nouvel album. C’est au mois d’août 2012 que sort enfin cette galette baptisée Hot Cakes qui revient aux sources glam rock
qui avait fait le succès de leur premier album.

Le premier titre du disque Every Inch Of You résume un peu la formation du groupe puis ils donnent le ton sur leur retour avec le second titre Nothin’s Gonna
Stop Us. Le message est clair et on espère que c’est vrai, The Darkness est de retour pour de bon ! Fini les arrangements à la Queen et place
principalement aux riffs de guitares ultra carrés et efficaces. Le groupe a bien compris le message il ne feront plus dans l’originalité mais dans l’efficacité !

La bonne humeur prédomine dans cet album, le groupe n’a visiblement rien perdu de son humour qui pourrait le faire passer pour un « faux » groupe à la Spinal Tap. Pourtant derrière
une musique rock globalement enjouée les textes parlent souvent de départ ou de ruptures sentimentales (With A Woman, Living Each Day Blind, She’s Just A
Girl Eddie). Il est quasiment toujours question d’amour dans les chansons de cet album mais c’est souvent un amour a sens unique ou compliqué (Forbidden Love,
Love Is Not The Answer, Concrete).The Darkness semble désormais laisser les histoire de fornication à Steel Panthers, preuve
d’une certaine maturité.

Justin Hawkins n’ a rien perdu de sa voix et nous régale de ses montées en voix de tête inimitables. Musicalement le groupe nous régale aussi et surtout le frangin Dan
Hawkins dont les solos très mélodiques sont de  véritables perles. Le groupe étonne notamment sur une reprise de Street Spirit (Fade Out) de
Radiohead presque méconnaissable tellement ils ont su avec brio l’adapter à leur sauce. L’édition deluxe de l’album comprend quatre titres bonus démos acoustiques et titres
supplémentaires qui prolongent le plaisir.

Même si on aurait aimé que le groupe ait le courage de poursuivre les explorations musicales de leur second album, on ne peut quand même que se réjouir du retour de The Darkness.
Leur glam rock dynamique et leur bonne humeur nous fait toujours plaisir à entendre. Espérons que le groupe ait encore de nombreuses années devant lui pour nous délivrer des disques ou tout le
talent de ces musiciens pourront s’exprimer.

BONUS :

– Ecoutez l’album de Hot Leg : http://grooveshark.com/#!/album/Red+Light+Fever/3890504

 – Ecoutez l’album de Stone Gods : http://grooveshark.com/#!/album/Silver+Spoons+and+Broken+Bones/3550553

 

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Chronique CD : THE DARKNESS – HOT CAKES – DELUXE EDITION (2012):

 

 

TRACKLISTING :

…

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]]> https://freakingeek.com/chroniquecdstormcorrosion-stormcorrosion2012/ Thu, 02 Aug 2012 00:00:00 +0000 http://xav-b.over-blog.com/article-chronique-cd-storm-corrosion-storm-corrosion-2012-108762293-comments.html     TRACKLISTING :  – 01. Drag Ropes (9:52)  – 02. Storm Corrosion (10:12)  – 03. Hag (6:28)  – 04.

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TRACKLISTING :

 – 01. Drag Ropes (9:52)

 – 02. Storm Corrosion (10:12)

 – 03. Hag (6:28)

 – 04. Happy (4:53)

 – 05. Lock Howl (6:09)

 – 06. Ljudet Innan (10:20)

 

LINE UP :

 – Mikael Akerfeldt : Chants, Guitares

 – Steven Wilson : Chants, Claviers

 

 

FICHE TECHNIQUE :

 – PRODUCTEURS : Steven Wilson & Mikael Akerfeldt

 – GENRE : Prog

 – DUREE : 46 minutes

 – SITE OFFICIEL : http://stormcorrosion.com/

 – DATE DE SORTIE : 07 mai 2012

 

 

 

CHRONIQUE : Storm Corrosion est le fruit de la rencontre du suédois Mikael Akerfeldt et l’anglais
Steven Wilson. Entre le leader d’Opeth et celui de Porcupine Tree c’est déjà une grande histoire d’amitié né d’un respect commun de leur
travail. En tant que producteur Steven Wilson a permis à Opeth d’obtenir la consécration avec leur album Blackwater Park et même si il est aussi
apparu en tant que musicien sur quelques titres des suédois, Storm Corrosion est le premier projet entièrement co-écrit par les deux hommes.

Les deux musiciens avaient tenu à prévenir leur fans par avance, Storm Corrosion risquait de les surprendre.  Ce sont surtout les fans du Death Metal Progressif
d’Opeth qui seront certainement les plus désarçonnés, ceux habitués aux disques de Porcupine Tree et Steven Wilson restant quand même en terrain
connu. Même si ils sont encore signés chez Roadrunner Records, Storm Corrosion ne peut pas vraiment etre qualifié de groupe Metal. Ils offficient plutôt dans un
rock progressif très original qui ne ressemble à rien d’autres qu’aux univers d’Opeth et Porcupine Tree.

 

Storm Corrosion pourrait être qualifié de concept album.C’est un peu comme la bande son de l’un de ses longs rêves que l’on fait parfois dont on a l’impression qu’il dure toute
la nuit. Au fil des morceaux on passe  d’ambiances éthérées qui semblent venir tout droit de l’esprit de Steven Wilson à des passages plus sombres qu’on attribuerait
facilement à Mikael Akerfeldt. Composé de six titres, cet album semble etre fait d’une seule pièce. Difficile en effet en écoutant le disque d’entendre à quel moment on change de
titre. Storm Corrosion est un album très homogène qui s’écoute comme un voyage. L’idéal serait de l’écouter dans le noir et au casque pour se mettre vraiment dans l’ambiance.

Enregistré à différentes périodes entre mars 2010 et septembre 2011, Storm Corrosion s’inscrit pour les deux musiciens comme la troisième pièce d’une trilogie entamée par
Heritage, le dernier album d’Opeth, et le Grace For Drowning, dernier album solo de Steven Wilson. On retrouve en effet dans
ces trois albums la même inspiration prog seventies mélangé de jazz.

 

 

 

 

Mikael Akerfeldt qui a déjà eu du mal a faire avaler la pilule d’un nouvel album sans voix death à ses fans de la première heure aura certainement tout autant de mal à leur faire
aimer ce Storm Corrosion. Pourtant tout le génie du musicien est bien présent dans ce disque. On reconnaît sans peine sa virtuosité à la guitare qu’elle soit acoustique ou
électrique. On pourra simplement regretter qu’il ne chante que sur la première chanson de l’album pour ne plus faire que quelques choeurs par la suite.

Steven Wilson apporte lui le coté plus mélodique, le piano, le son et les atmosphères rappellent fortement certains disques de Porcupine Tree et aussi clairement
Grace For Drowning. Pas d’inquiétudes pour lui, il faudrait être stupide pour aimer les précédents enregistrement du musicien et rejeter ce Storm Corrosion. Sur
les six titres le musicien chante sur trois d’entre eux et joue quasiment tous les instruments.

 

Si vous êtes amateurs de musiques sophistiqués et fans de Steven Wilson et Mikael Akerfeldt n’hésitez surtout pas à plonger dans l’univers de Storm
Corrosion et à vous laissez embarquer. La complicité des deux musiciens donne une oeuvre vraiment exceptionnelle dont le seul défaut et qu’elle ne dure pas assez longtemps. Heureusement
l’édition spéciale renferme un blu-ray bonus contenant un mix 5.1 de l’album complété par des versions démos et instrumentales qui rajoutent au plaisir. En tout cas, on en redemande déjà !

 

 

 

MON AVIS :  5/5

 

 

LIRE AUSSI :

 – la chronique du concert anniversaire d’Opeth au Bataclan : http://xav-b.over-blog.com/article-2010-48141550.html

 – la chronique du concert Heritage Tour d’Opeth au Bataclan : http://xav-b.over-blog.com/article-2011-89105473.html

 

 

 

 

 

 

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Chronique CD : STORM CORROSION – STORM CORROSION (2012):

 

 

TRACKLISTING :

 – …

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]]> https://freakingeek.com/chroniquecdgarbage-notyourkindofpeople2012/ Tue, 31 Jul 2012 00:00:00 +0000 http://xav-b.over-blog.com/article-chronique-cd-garbage-not-your-kind-of-people-2012-108697604-comments.html       TRACKLISTING :  – 01. Automatic System Habit  – 02. Big Bright World  – 03. Blood For Poppies

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TRACKLISTING :

 – 01. Automatic System Habit

 – 02. Big Bright World

 – 03. Blood For Poppies

 – 04. Control

 – 05. Not Your Kind Of People

 – 06. Felt

 – 07. I Hate Love

 – 08. Sugar

 – 09. Battle In Me

 – 10. Man On A Wire

 – 11. Beloved Freak

Bonus Tracks :

 – 12. The One

 – 13. What Girls Are Made Of

 – 14. Bright Tonight

 – 15. Show Me

 

LINE UP :

 – Shirley Manson : Chants, Synthé et Stylophone

 – Butch Vig : Batterie, Loops & EFX

 – Duke Erikson : Guitares, Synthé et Piano

 – Steve Marker : Guitares, Synthé et bruit

 

FICHE TECHNIQUE :

 – PRODUCTEUR : Garbage

 – GENRE : Rock

 – SITE OFFICIEL : http://garbage.com/

 – DATE DE SORTIE : 14 mai 2012

 

 

 

 

CHRONIQUE :  Sept ans, c’est le temps qu’il a fallu à Garbage pour oublier les dissensions qui s’étaient créées au sein
du groupe et revenir avec un nouvel album. Le précédent album en date Bleed Like Me enfanté dans la douleur avait été suivi par une tournée sabordée en plein milieu par manque
d’envie et par dégoût d’une industrie musicale qui pense bien plus au profit qu’à l’artistique. 2012 marque le grand retour du groupe à nouveau boosté par l’idée de faire de la musique ensemble
sans se soucier d’autres choses.

Cela fait en fait déjà quelques temps que la formation menée par Shirley Manson et le célèbre producteur Butch Vig souhaitait faire son retour mais les choses ne
se sont pas franchement arrangé dans l’industrie musicale rendant la signature d’un nouveau contrat plus difficile que ce que le groupe aurait pu pensé. C’est finalement sur un tout petit label
indépendant que Garbage revient, libre de toutes contraintes artistiques.

Ce cinquième album baptisé Not Your Kind Of People reprend là où Garbage s’était arrété sept ans auparavant. L’album s’inscrit vraiment dans la ligné très rock
de Bleed Like Me mais on y ressent vraiment l’inspiration et le plaisir des retrouvailles. Garbage nous propose quinze nouvelles perles souvent très rentre
dedans avec des murs de guitares mises vraiment en avant ou des titres plus pop où les arrangement Electro portent la chanson.

 

 

 

 

Garbage semble être vraiment rempli d’une rage nouvelle qui donne a cet album un aspect plus péchu que d’habitude. Il suffit d’écouter les titres Automatic System
Habit, Blood For Puppies et surtout Battle In Me et Man On A Wire pour s’en rendre compte. De véritables brûlots rock énervés et
dynamiques comme le groupe en avait rarement produit jusque là. Les titres Big Bright World, Felt, I Hate Love et What Girls Are Made
Of sonnent vraiment  comme le Garbage des deux premiers albums plein de boucles sonores couplées aux synthés et guitares. Les chansons sont plus douces ne sont pas
oubliées avec des titres comme Sugar et Beloved Freak.

La chanteuse Shirley Manson n’a rien perdu de son charme et de son talent de chanteuse. Elle est parfaite dans tous les registres, capable de faire passer sa hargne sur certains
titres et toute sa douceur sur d’autres. Ses parties de chant ont d’ailleurs bien souvent étées enregistrées en live en même temps que le groupe pour garder toute l’énergie qu’il fallait. Les
paroles des chanson semblent toute s’adresser à quelqu’un qui a visiblement  beaucoup à se reprocher et cet album sonne un peu comme une vengeance pour la chanteuse.

Ces sept ans de break ont finalement certainement fait un grand bien à Garbage qui revient avec leur meilleur album depuis Version 2.0. Oubliés les errances Rn’B
de Beautiful et le manque d’inspiration de Bleed Like Me ! Ce cinquième disque est une véritable cure de jouvence qui sans égaler l’originalité de leur premier
album, fait vraiment bien plaisir de retrouver Shirley Manson et sa bande.

 

 

 

 

MON AVIS : 5/5

 

 

 

      

 

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Chronique CD : GARBAGE – NOT YOUR KIND OF PEOPLE (2012):

 

 

 

TRACKLISTING :
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]]> https://freakingeek.com/chroniquecdtenaciousd-rizeofthefenix/ Mon, 30 Jul 2012 00:00:00 +0000 http://xav-b.over-blog.com/article-chronique-cd-tenacious-d-rize-of-the-fenix-108667078-comments.html     TRACKLISTING :  – 01. Rize Of The Fenix  – 02. Low Hangin’ Fruit  – 03. Classical Teacher  –

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TRACKLISTING :

 – 01. Rize Of The Fenix

 – 02. Low Hangin’ Fruit

 – 03. Classical Teacher

 – 04. Senorita

 – 05. Deth Star

 – 06. Roadie

 – 07. Flutes & Trombone

 – 08. The Ballad Of Hollywood Jack And The Rage Kage

 – 09. Throdown

 – 10. Rock Is Dead

 – 11. They F****d Our A***s

 – 12. To Be The Best

 – 13. 39

 Bonus Tracks :

 – 14. Quantum Leap

 – 15. Rivers Of Brown

 

LINE UP :

 – Jack Black : Guitares et Chant

 – Kyle Gass : Guitares

 

FICHE TECHNIQUE :

 – PRODUCTEUR : John Kimbrough

 – GENRE : Hard Rock

 – DUREE :

 – DATE DE SORTIE : 25 mai 2012

 – SITE OFFICIEL : http://www.tenaciousd.com/home

 

 

 

CHRONIQUE : Très marqués par l’échec de leur film Tenacious D & The Pick Of Destiny pourtant très réussi, Jack
Black et Kyle Gass avait bien envie de mettre fin à leur groupe. Après un break de près de six ans où Jack Black  a eu l’occasion de renouer avec
le succès au cinéma avec notamment Les Voyages de Gulliver, le groupe a ressenti que leur fans ne les avait pas totalement abandonnés et que l’envie de les revoir ensemble était
vraiment forte. Les voici donc de retour tel le phénix renaissant de ses cendres avec un troisième album portant judicieusement le titre Rize Of The Fenix.

 

 

Le premier morceau éponyme du disque raconte justement cette histoire et le doute qu’a traversé le duo sur l’utilité de continuer ou pas leur délires guitaristiques. Grand bien leur a pris car ce
premier titre très influencé par Dio donne tout de suite le ton du reste de l’album. Chacun des titres de cet album semble être inspiré par des périodes de la vie du duo.
Senorita rappelle le film Nacho Libre, Roadie semble inspiré par le jeu vidéo Brutal Legends où Jack Black
prétait sa voix au roadie héros du jeu et plusieurs titres autobiographiques racontent les dernières années du duo avec un peu de vrai mais surtout pas mal de délires (The Ballad Of
Hollywood Jack & The Rage Kage, To Be The Best ou Rize Of The Fenix).

Encore plus que dans le deuxième album The Pick Of Destiny, Tenacious D délaisse de plus en plus le simple duo de guitares acoustiques pour des titres bien mieux
arrangés et accompagnés de différents instruments. Des progres notoires aux niveau des mélodies sont a remarquer faisant de certains titres de véritables morceaux de bravoure bien au dessus du
simple sketch musical. C’est le cas notamment de The Ballad Of Hollywood Jack & The Rage Kage ou bien de 39 qui sonne un peu comme du Bruce Springteen. Du
blues (Throwdown), du rock n’ roll (Rock Is Dead) de la new wave, du flamenco… il y en a pour tout les goûts dans ce nouvel album.

Les minis sketchs, absents du second album font aussi leur retour toujours aussi délirants et excellemment interprétés (Classical Teacher, Flutes &
Trombones). Ils servent généralement d’introduction au titre suivant. L’humour est aussi très présent dans les paroles des chansons en elle mêmes avec moult allusions sexuelles
(Low Hangin’ Fruit, 39) voir scatologiques (Rivers Of Brown) et des paroles de geeks, fans de science fiction (Deth Star,
Quantum Leap). Tenacious D sait parler à son public !

 

 

 

Oui, Rize Of The Fenix marque réellement la renaissance de Tenacious D. Un album très inspiré et trés riche musicalement qui passe malheureusement trop vite. On
aimerait tellement voir ce que vont donner sur scène ces nouveaux titres mais le groupe ne prévoit pas de venir en France pour le moment malgré une tournée européenne de plusieurs dates. Il faut
dire que le disque n’est honteusement même pas distribué en France. Il serait temps de réparer cette injustice !

 

 

MON AVIS : 5/5

 

 

LIRE AUSSI :

 – La chronique CD de The Pick Of Destiny : http://xav-b.over-blog.com/article-4856616.html

 – La critique de Tenacious D & The Pick Of Destiny : http://xav-b.over-blog.com/article-6898045.html

 

 

 

 

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Chronique CD : TENACIOUS D – RIZE OF THE FENIX:

 

 

TRACKLISTING :

 – 01. Rize …

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]]> https://freakingeek.com/choniquecdwaltari-coversall-25thanniversaryalbum/ Mon, 30 Jul 2012 00:00:00 +0000 http://xav-b.over-blog.com/article-chonique-cd-waltari-covers-all-25th-anniversary-album-108664632-comments.html         TRACKLISTING : – 01. P.LU.C.K (System Of A Down) – 02. Give It To Me (Madonna)

Cet article Chonique CD : WALTARI – COVERS ALL ! – 25TH ANNIVERSARY ALBUM est apparu en premier sur Freakin' Geek.

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TRACKLISTING :

– 01. P.LU.C.K (System Of A Down)

– 02. Give It To Me (Madonna)

– 03. Dead Heart (Midnight Oil)

– 04. Duke (Dingo)

– 05. Look Back In Anger (David Bowie)

– 06. Caught In A Mosh (Anthrax)

– 07. Plastic Ships (Hassinen Kone)

– 08. One Hundred Years (The Cure)

– 09. Infinite Dreams (Iron Maiden)

– 10. Saucerful Of Secrets (Pink Floyd)

 

 

 

LINE UP :

Kärtsy Hatakka : Chant, Basse  & Synthé

 Jariot Lehtinen : Guitares 

 Sami Yli-Sirnio : Guitares

 Ville Veikko Vehviläinen : Batterie 

 Janne Immonen : Claviers, Programmation

 

 

 

FICHE TECHNIQUE :

– PRODUCTEURS : Waltari & Santeri Kallio

– GENRE : Fusion

– DUREE : 50 minutes

– DATE DE SORTIE :26 octobre 2011

– SITE OFFICIEL : http://www.waltarimusic.com/

– BLOG OFFICIEL FRANCAIS : http://waltarifrance.over-blog.com

 

 

CHRONIQUE : Un quart de siècle, ça se fête ! Et pour l’occasion Waltari n’a pas choisi de sortir un énième Best Of mais un
album entier composé uniquement de reprises. Il est vrai que c’est un peu ce qui a fait le succès des Finlandais à travers ces vingt cinq ans avec leur reprise death metal de Help
! des Beatles et leurs versions sur-vitaminées de A Forest de The Cure et surtout de  Vogue de
Madonna.

Ce nouvel album est composé de dix titres, chacun des membres du groupe a eu le droit de choisir deux reprises qu’ils aimeraient faire et le groupe a travaillé ensemble les arrangements. Autant
dire que l’ensemble de ces choix reflète bien l’éclectisme de la musique de Waltari. On passe en effet du thrash à la dance music en  passant par la funk, la pop et le rock
progressif.

 

 

Le disque commence par unr reprise assez fidèle de P.L.U.C.K de System Of A Down qui montre que les deux groupes partagent vraiment le même grain de folie. Il se
poursuit avec Give It To Me une nouvelle choisie par Sami et pour le moins méconnaissable puisque le groupe n’a gardé que les paroles de la chanson et
complètement réarrangé la musique pour se l’approprier entièrement. Le troisième titre est une reprise de Dead Heart, classique de Midnight Oil dans une version
plus lourde qui la rend plus métal et surtout plus revendicative.

Choix étonnant pour la suite, Duke est une chanson d’un groupe finlandais qui n’a pas beaucoup marqué les esprits en dehors de leur pays. Waltari a traduit les
paroles en anglais et durcit la musique très années 80 pour en faire une chanson qu’on aurait pu croire entièrement composé par eux. La suivante est une reprise de Look Back In
Anger, classique de David Bowie gardant son esprit funk mais avec un coté fusion qui rappelle l’album Torcha de Waltari. C’est sur la
chanson suivante que Waltari s’est permis le plus de folie, faire sonner le Caught In A Mosh d’Anthrax façon Ska,  il fallait le faire !
Çela peut choquer à la première écoute mais ca semble rapidement une évidence.

 

 

Comme Duke, la chanson suivante Plastic Ships est aussi une chanson finlandaise traduite en anglais, Waltari reste trés fidèle au titre mais
accélere sérieusement le tempo. Forcement Waltari a aussi inclu une nouvelle reprise de The Cure dans ce Covers All ! . C’est le titre
One Hundread Years qui est repris cette fois ci de manière vraiment fidèle à l’originale. L’avant dernière chanson est une reprise d’Infinite Dreams
d’Iron Maiden, les finlandais n’ont pas optés pour une des chansons les plus connues mais on fait un choix très judicieux et un choix d’arrangements un peu plus pop puis presque
death metal. Cette reprise s’enchaîne directement avec le dernier titre de l’album, une reprise très particulière de A Saucerful Of Secrets amené par le clavieriste
Janne qui avait déjà apporté des influences prog sur l’album Release Date. Waltari nous réserve pour conclure une très sympathique surprise en
ghotst track à la fin du disque, une nouvelle version d’une reprise déjà connue inspiré dans une version vraiment délirante.

Ce Covers All ! donnera certainement à Waltari de nouveaux classiques pour leurs concerts. On a déjà pu s’en rendre compte lors de leur concert au Divan
Du Monde ou le Caught In A Mosh avait vraiment mis tout le monde d’accord les fans comme ceux qui découvrait Waltari ce soir là. Au final c’est bien à
nous que Waltari fait un beau cadeau pour leur 25 ans.

 

 

MON AVIS : 5/5

 

 

LIRE AUSSI :

– La chronique CD de RELEASE DATE : http://xav-b.over-blog.com/article-6029932.html

– La chronique CD de BLOOD SAMPLE : http://xav-b.over-blog.com/article-2866820.html 

– La chronique du concert du DIVAN DU MONDE : http://xav-b.over-blog.com/article-100646190.html

– La chronique du concert à LE KLUB : http://xav-b.over-blog.com/article-50010372.html

 

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Chonique CD : WALTARI – COVERS ALL ! – 25TH ANNIVERSARY ALBUM:

 

 

 

 
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Une année musicale 2011 riche en très bonnes surprises, voici mon palmarès personnel des albums qu’il ne fallait pas manquer durant cette année.

 

1.		FOO FIGHTERS – WASTING LIGHT   Après avoir rempli le Wembley Stadium, Dave Grohl se demandait bien quoi faire de plus. L’inspiration lui est venu au fond de son garage en reprenant les bonnes vieilles méthodes d’enregistrement analogiques et en rappelant Butch Vig, le producteur de Nevermind. Un très grand cru qui le place en tête de ce classement.
2.		ANTHRAX – WORSHIP MUSIC   On avait presque oublier ce que cela faisait d’entendre de nouvelles chansons d’Anthrax. Il aura fallu attendre huit ans pour voir enfin arriver ce Worship Music à cause des nombreux déboires de line up qu’a connu la formation. Le résultat est à la hauteur de l’attente, des riffs de tueurs, des arrangements très travaillé et le retour de Joey Belladonna au chant font de cet album une perfection.
3.		METALLICA & LOU REED – LULU   La rencontre pour le moins inattendu entre l’ex-leader du Velvet Underground et les Four Horsemen ressemble à de l’art moderne à l’image de la pochette du disque. On aime ou on déteste mais on ne peut pas rester insensible devant ce brûlot. Le premier disque de slam métal réussit le parfait mélange entre la poésie et la voix torturée du vieux Lou  aux riffs acérés de James Hetfield et sa bande. Un disque incompris qui finira par devenir culte.
4.		OPETH – HERITAGE   Dans la lignée de Watershed, le groupe de Mikael Akerfeldt continue sur la même voie en insufflant des influences prog 70’s plus marquées et quelques touches jazzy a ses nouvelles compos. Un album sans voix death qui risque de surprendre au premier abord mais qui aprés quelques écoutes s’inscrit bien dans le parcours du groupe.
5.		DREAM THEATER – A DRAMATIC TURN OF EVENT   Pour tenter de faire passer la pilule du départ de leur batteur et fondateur Mike Portnoy, le groupe a choisi de réchauffer les recettes qui ont fait leur succès. Le résultat donne un trés bon album trés influencé par les premiers disques du groupe que l’on écoute avec un plaisir coupable de par l’absence de son pilier central.
6.		NEAL MORSE – TESTIMONY TWO   L’ex-leader de Spock’s Beard est de retour avec la seconde partie de son autobiographie en musique toujours accompagné par Mike Portnoy et Randy George. Un nouveau concept album toujours aussi bien composé qui alterne passages virtuoses et moment d’émotions intenses. A découvrir aussi en live avec le coffret CD + DVD sortie en fin d’année.
7.		MEGADETH – THIRT3EN   Pour son treizième album, on ne peut pas dire que le sieur Mustaine se soit vraiment foulé. On reprend quelques vieilles face-B que l’on réenregistre, on reprend les même riffs et c’est parti pour un tour. Le pire c’est que cela marche encore et ce nouveau Megadeth fonctionne très bien et contient de très bons titres vraiment accrocheurs.
8.		CAVALERA CONSPIRACY – BLUNT FORCE TRAUMA     Deuxième album pour le groupe formé par les frangins Cavalera (ex-Sepultura) réconciliés. Aprés un premier album innovant, ce deuxième opus n’apporte rien de nouveau et ressemble un peu trop à un album de Soulfly avec un nouveau batteur. Toujours efficace mais décevant de la part du duo.

 

 

Appel aux maison de disques : Si vous voulez retrouver les albums de vos artistes dans le top 2012, n’hésitez pas à me contacter pour
m’envoyer vos nouveautés. Articles assurés vu par environ 500 personnes par jour. A bon entendeur !

 

 

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TOP MUSIQUE 2011:

 

Une année musicale 2011 riche en très bonnes surprises, voici mon palmarès personnel des albums …

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ECOUTEZ L’ALBUM

 

TRACKLISTING :

 – 01. Diamond Eyes (3:08)

 – 02. Royal (3:32)

 – 03. CMND/CTRL (2:25)

 – 04. You’ve Seen The Butcher (3:31)

 – 05. Beauty School (04:47)

 – 06. Prince (3:36)

 – 07. Rocket Skate (4:14)

 – 08. Sextape (4:01)

 – 09. Risk (3:38)

 – 10. 976-EVIL (4:32)

 – 11. This Place Is Death (3:48)

 

LINE UP :

 – CHINO MORENO : Chants & Guitares

 – ABE CUNNINNGHAM : Batterie

 – FRANK DELGADO : Clavier & Samples

 – STEPHEN CARPENTER : Cordes

 – SERGIO VEGA : Basse

 

PRODUCTEUR : Nick Raskulinecz

DUREE : 41 minutes

GENRE : Neo-Metal

DATE DE SORTIE : 03 Mai 2010

SITE OFFICIEL : http://www.deftones.com

 

 

 

CHRONIQUE : Après l’excellent Saturday Night Wrist, Deftones avait prévu de sortir Eros,
un album plus sombre, mais le destin a en a voulu autrement en frappant Chi Cheng, le bassiste du groupe, victime d’un terrible accident de voiture qui l’a plongé dans le coma
pendant plusieurs semaines. Forcement le groupe n’avait plus trop envie de sortir cet album aprés le drame et a donc choisi de retourner en studio pour pondre un album plus léger pour l’emmener
le plus vite possible sur les scènes du monde entier. Le résultat s’appelle Diamond Eyes.

 

Est ce simplement une impression mais ce nouvel album semble vraiment marqué par le drame qui a frappé le groupe. Diamond Eyes sonne vraiment comme une expérience de NDE (Near
Death Experience), quand l’ame  s’élève et emprunte le long tunnel obscur vers la lumière vive qui mene à l’au-delà. Diamond Eyes alterne entre titres éthérés  trés
aériens et légers ressemblant a des phases de rêves agréables  et des chansons plus sombres et violentes qui semblent être de véritables cauchemar. Une vision du coma par un groupe
vraisemblablement bouleversé par ce qui est arrivé à leur ami.

Diamond Eyes marque une réelle différence avec son prédécesseur, là ou Saturday Night Wrist était immédiatement accessible et rempli de chansons immédiatement
accrocheuse, il faudra plusieurs écoutes avant d’apprécier vraiment ce nouvel opus. Certains titres comme Diamond Eyes et Rocket Skate, choisi en premiers
extraits, sortent particulièrement du lot comme d’évidents singles par leur mélodie pour la première et son riff puissant par la seconde. Deux parfaits exemples de la dualité de ce disque.

 

 

 

 

Sans vraiment retrouvé la brutalité de son second album, Deftones a choisi de sortir un disque très rentre dedans avec des guitares au son saturé très lourd rappelant parfois
Tool comme sur le titre CMND/CTRL tout en gardant un chant éthérée marque de fabrique du chanteur Chino Moreno. Sur le titre suivant,
You’ve Seen The Butcher le groupe s’essaye au stoner en utilisant un riff bluesy que n’aurait pas renié Corrosion Of Conformity ou Queen Of The Stone
Age. Tous les fans savent que Deftones aime consommer à loisir des substances illicites et ce titre sent la fumée de pétard et la défonce à plein nez.

 

L’album se fait ensuite plus calme sur les deux titres suivants Beauty School et Prince, deux single eventuels sur lesquels le nouveau bassiste Sergio
Vega a plus de place pour s’exprimer. Le sommeil semble etre entré dans une phase plus calme de courte durée puisque que la fin du titre s’énnerve pour mener a l’enragé Rocket
Skate. La tempete se calme ensuite sur le titre suivant Sextape dont la guitare ferait presque pensé à un titre des Red Hot Chili Peppers. Une chanson
trés pop capable de séduire un public plus large qu’habituellement. Le titre suivant continue à nous faire flotter sur un nuage malgrés le son incisif de la guitare prete a tronçonner tout ce qui
lui passe sous la main.

 

 

Les deux derniers titres semblent s’éléver encore plus haut dans le ciel pour marquer la fin du voyage.  Une fois de plus le refrain de 976-Evil se fait tres pop et tres
catchy. On arrive à un au-delà lumineux sur le titre This Place Is Death comme si le groupe n’avait peu d’espoir de voir revenir leur ancien bassiste et souhaitait l’accompagner
dans sa derniere demeure. Fort heureusement l’état de leur bassiste s’est améliorer depuis la fin de l’enregistrement de Diamond Eyes et l’avenir est porteur d’espoir pour le
musicien en rééducation.

 

Pas forcement abordable à la premiere écoute, Diamond Eyes se révéle au final bourré de surprise et marque une nouvelle évolution de Deftones qui peaufine son
son et ses compositions pour satisfaire l’ensemble de son public en alternant morceaux agressif et titres plus soft. Avec Diamond Eyes, Deftones a fait le voyage
dans le coma de leur ami de longue date Chi Cheng pour nous faire vivre avec lui ce sentiment. On souhaite un prompt rétablissement au musicien en espérant le voir capable de
retrouver Deftones au plus vite.

 

 

 

 

MON AVIS : 4/5

 

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Chronique CD : DEFTONES – DIAMOND EYES:

 

ECOUTEZ L’ALBUM

 

TRACKLISTING :

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Il est temps de faire le point sur les meilleurs albums sortis en 2009. Un classement comme toujours pas tres objectif puisqu’il est réalisé a partir des disques que j’ai acheté cette année. J’en
profite donc pour lancer un appel aux differentes maison de disques, n’hésitez pas a me contacter pour m’envoyer vos nouveautés afin que je les chronique et peut etre auront elle leur place dans
le top 2010.

	1. ALICE IN CHAINS – BLACK GIVES WAY TO BLUE
	2. DREAM THEATER – BLACK CLOUDS & SILVER LINING
	3. WALTARI – BELOW ZERO
	4. SLAYER – WORLD PAINTED BLOOD
	5. DEPECHE MODE – SOUNDS OF THE UNIVERSE
	6. THEM CROOKED VULTURES – THEM CROOKED VULTURES
	7. BEN HARPER & RELENTLESS SEVEN – WHITE LIES FOR DARK TIMES
	8. TRANSATLANTIC – THE WHIRLWIND
	9. MEGADETH – ENDGAME
	10. KREATOR – HORDES OF CHAOS

 – CHANSON DE L’ANNEE :   A Looking In View (Alice In Chains)
 – CHANTEUR DE L’ANNEE : Dave Gahan (Depeche Mode)
 – GUITARISTE DE L’ANNEE : John Petrucci (Dream Theater)
 – BATTEUR DE L’ANNEE : Dave Grohl (Them Crooked Vultures)
 – BASSISTE DE L’ANNEE :  Mike Inez (Alice In Chains)
 – CONCERT DE L’ANNEE : Metallica – World Magnetic Tour 01/04/09 Paris Bercy (voir chronique)
 – POCHETTE DE L’ANNEE : Liebe Ist Fur Alle Da (Rammstein)

 

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TOP MUSIQUE 2010:

Il est temps de faire le point sur les meilleurs albums sortis en 2009. Un classement comme toujours pas tres objectif pu …

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ECOUTER L’ALBUM

TRACKLISTING :
 – 01. World Painted Blood (5:52)
 – 02. Unit 731 (2:41)
 – 03. Snuff (3:42)
 – 04. Beauty Through Order (4:37)
 – 05. Hate Worlwide (2:52)
 – 06. Public Display Of Dismemberment (2:35)
 – 07. Human Strain (3:09)
 – 08. Americon (3:23)
 – 09. Psychopathy Red (2:26)
 – 10. Playing With Dolls (4:14)
 – 11. Not Of This God ( 4:26)

LINE UP :
 – Tom Araya : Chants & Basse
 – Jeff Hanneman : Guitares
 – Kerry King : Guitares
 – Dave Lombardo : Batterie

PRODUCTEURS : Greg Fidelman & Rick Rubin

DUREE : 39 minutes

DATE DE SORTIE : 02 Novembre 2009

SITE OFFICIEL : http://www.slayer.net

CHRONIQUE : Ouf Il n’aura fallu attendre « que » trois ans avant d’écouter un nouvel album de Slayer ! Il faut dire que ces dernieres années le
groupe mené par Tom Araya semble plus intéressé par les tournées que par le fait de s’enfermer en studio. La crise du disque fait qu’il est maintenant plus rentable de faire des concerts
que des albums mais que ferait les fans sans nouvel album ? Ce onzième album devrait largement combler leurs attentes.

Ca commence par une intro à la Slipknot, les maîtres s’inspirent ils de leurs disciples,? mais que se passe t’il ? La surprise est de courte durée avec le premier riff de World Painted
Blood titre éponyme qui ouvre cet album et remet tout de suite les pendules en place. Slayer est toujours aussi incisif et rapide et le démontre une nouvelle fois avec un album qui
reprend l’ambiance des meilleurs albums du groupe de Reign In Blood à Season In The Abyss.

Avec le second morceau Unit 731, Slayer utilise les influences punks qu’ils nous avaient dévoilées dans l’album Undisputed Attitude tandis que le riff d’accompagnement du
solo nous ramènera directement à Reign In Blood. Snuff, troisième titre du CD s’enchaîne immédiatement. Un titre qui marquera surtout pour ces paroles d’une extrême violence et son
refrain accrocheur.

Les choses se calment un peu avec le quatrième titre Beauty Through Order dont l’ambiance rappelle les passages les plus mélodiques des albums South Of Heaven et Season In The
Abyss avec encore et toujours un retour à Reign In Blood vers la fin du titre. Hate Worlwide se situe quand a lui dans la droite lignée des morceaux de Season In The
Abyss, un titre péchu et efficace marqué par les break du batteur Dave Lombardo.

Le rythme accélère brutalement sur le sixième morceau Public Display Of Dismemberment. Difficile de faire autrement avec un titre pareil ! Une démonstration de la vitesse a laquelle le
groupe peut encore jouer avec un blast et des breaks d’une rapidité rarement égalé. Dave Lombardo est toujours le meilleur batteur du monde.

Human Strain commence plus lentement et s’avère un titre assez basique jusqu’à la moitié du morceau avant de se métamorphoser totalement dans une interlude des plus réussie où l’ambiance
se fait plus sombre et torturé. Un des excellents passages de l’album. Toujours dans le mid tempo Americon est un titre qui fait taper du pied par son rythme de batterie et on appréciera
également ses très nombreux solos.

Le titre suivant Psychopaty Red, choisi comme premier extrait bien avant la sortie de l’album, est une pure démonstration de violence et de virtuosité qui devrait faire un massacre dans
les concerts du groupe. On se surprend a headbanger en rythme tout le long du titre. Parfait pour les réveils difficiles ! Il est l’un des morceaux phares de ce nouvel album tout comme le titre
suivant Playing With Dolls. Le morceau qui a donné son nom au court métrage fourni en bonus DVD commence dans une ambiance qui rappelle beaucoup Spill The Blood ou le morceau
Season In The Abyss, Slayer insère de l’émotion dans son album tout en conservant un rythme enlevé pour les refrains qui donneront l’occasion a tous les musiciens de démontrer leur
talent.

Ce nouvel album est composé moitié moitié par Hanneman et King. Alors que le premier s’adjoint souvent les services du chanteur Tom Araya pour les paroles, le second livre
des  chansons clés en mains  bien souvent plus agressives. Même si le batteur Dave Lombardo ne fait souvent juste ce qu’on lui demande, il l’exécute toujours a la perfection.
C’est une véritable bénédiction de l’avoir de nouveau dans le groupe.  Il est le moteur qui manquait aux précédents albums du groupe avant Christ Illusion. Les guitaristes ont gardé
le son qui fait la marque de fabrique du groupe et les solos torturés qui ont du faire souffrir plus d’un vibrato de leur guitares. Malgré de nombreux problèmes de santé Tom Araya gueule
toujours avec autant d’énergie et sait aussi calmer le jeu pour installer une ambiance chargée d’émotions. Les paroles sont comme toujours aussi violentes que la musique. Des textes qui
ressemblent a des scènes de films d’horreur avec meurtres en gros plans. Ça parle d’assassinat de maladies, du diable et de guerre a vous en soulever le coeur.

Même si l’album en lui même n’est pas très original, le groupe arrive a surprendre dans chaque titre par un passage qui fera la différence. De merveilleuses idées qui rendent ce nouvel album
toujours aussi indispensable. Il est loin le temps où Slayer savait innover d’albums en albums. Malgré de nombreux clins d’oeil a leur album de référence Reign In Blood, World
Painted Blood n’atteint jamais vraiment le même niveau d’excellence mais devrait ravir les plus exigeants aficionados du groupe.

MON AVIS : 5/5

BONUS : Le court métrage Playing With Dolls disponible dans l’édition limitée de l’album.

 

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Chronique CD : SLAYER – WORLD PAINTED BLOOD:

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TRACKLISTING :
 – 01. World Painted Blood (5:52)
 – 0 …

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Cet article Chronique CD : ALICE IN CHAINS – BLACK GIVES WAY TO BLUE est apparu en premier sur Freakin' Geek.

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TRACKLISTING :
 – 01. All Secrets Now (4:43)
 – 02. Check My Brain (3:58)
 – 03. Last Of My Kind (5:53)
 – 04. Your Decision (4:43)
 – 05. A Looking In View (7:06)
 – 06. When The Sun Rose Again (4:00)
 – 07. Acid Bubble (6:56)
 – 08. Lesson Learned (4:17)
 – 09. Take Her Out (4:00)
 – 10. Private Hell (5:39)
 – 11. Black Gives Way To Blue (3:04)

LINE UP :
 – William Duvall – Chants & Guitares
 – Jerry Cantrell – Guitares & Chants
 – Mike Inez – Bassiste
 – Sean Kinney – Batterie

Ecouter l’Album

CHRONIQUE : « Hope,  A New Beginning… » c’est par ces mots que commence le très attendu nouvel album. Une phrase qui illustre parfaitement
le grand retour  du groupe de Jerry Cantrell qui avait disparu depuis 1996 aprés nous avoir laissé le plus magnifique de tous les MTV Unplugged. La mort du chanteur Layne
Staley en avril 2002 avait scellé, on pensait pour toujours, l’avenir du groupe grunge. Quatre ans après, le groupe annonçait pourtant son grand retour avec un nouveau chanteur William
Duvall pour une grande tournée qui passa par Paris le 22 juin 2006. De concerts en concerts, Alice In Chains s’est ressoudé et a décidé de s’enfermer en studio pour nous livrer une
nouvelle galette Black Gives Way To Blue.

Avec ce nouvel album on a l’impression que finalement Alice In Chains n’était jamais vraiment parti mais c’etait juste octroyé un  (très) long break. Ils reviennent totalement
inchangés avec le même son qui a fait leur marque de fabriques des riffs lourds et des mélodies sombres qui font toujours vibrer. La voix de William Duvall passe très bien sur ces
nouvelles compos comme il nous avait bluffés sur les anciennes en tournée. Sa voix, moins nasillarde que celle de Lane Staley, se mélange parfaitement à celle de Jerry Cantrell pour
de sublimes harmonies. Comme d’habitude Alice In Chains  joue sur cette double voix pour développer son univers et l’alchimie marche toujours aussi bien.

L’album commence par trois chansons électriques ou le guitariste Jerry Cantrell démontre qu’il a toujours le sens du riff efficace. Le second titre Check My Brain a d’ailleurs été
choisi comme second single de l’album. Le quatrième titre Your Decision, plus acoustique, n’aurait certainement pas dénoté dans le MTV Unplugged de 96. Une magnifique chanson dans
la lignée de No Excuses. Le clou de l’album arrive avec le cinquième titre A Looking In View qui a d’ailleurs été choisi comme premier single de l’album pour annoncer le grand
retour du groupe. Un grand morceau de sept minutes trés lourd et puissant parfois dérangeant mais vraiment sublime. Retour à l’acoustique avec le sixième titre qui semble inspirer par la chanson
Planet Caravan de Black Sabbath avec ses percussions. La huitième chanson Acid Bubble fait immanquablement penser au classique Rooster par ses paroles qui font écho
au  tube (You Try to Kill Me / They Come To Kill The Rooster). Les titres suivants, dans la lignée des classiques du groupe, prolongent la promenade mélancolique dans l’univers
d’Alice In Chains. Il n’y a vraiment rien a jeter sur ce nouvel album. Enfin le groupe n’oublie pas son ancien chanteur et lui rend hommage dans le  onzième et dernier titre qui donne
aussi son nom a l’album Black Gives Way To Blue. Une magnifique ballade que chante seul Jerry Cantrell et sur laquelle le piano est interprété par Elton John en personne, qui
en grand spécialiste de la chanson hommage apporte sa touche et un peu plus d’émotion au titre.

Avec Black Gives Way To Blue, Alice In Chains signe un grand album dans la droite lignée de ses précédents opus. Impossible d’être déçu par ses onze titres a l’atmosphère grunge et
doom. Certainement l’album de l’année ! On souhaite longue vie a la nouvelle formation et on attend déjà avec impatience leur prochain disque.

MON AVIS : 5/5

 

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Chronique CD : ALICE IN CHAINS – BLACK GIVES WAY TO BLUE:

TRACKLISTING :
 – 01. All Secrets Now (4:43)
 – 02. Check My Brain …

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TRACKLISTING :
 – 01. In Chains
 – 02. Hole To Feed
 – 03. Wrong
 – 04. Fragile Tension
 – 05. Little Soul
 – 06. In Sympathy
 – 07. Peace
 – 08. Come Back
 – 09. Spacewalker
 – 10. Perfect
 – 11.  The Truth Is
 – 12. Jezebel
 – 13. Corrupt

LINE UP :
 – Dave Gahan : Chants
 – Martin Gore : Chants, guitares, claviers
 – Andrew Fletcher : Claviers

PRODUCTEUR : Ben Hillier

DUREE : 1h01

DATE DE SORTIE : 20 Avril 2009

SITE OFFICIEL : http://www.depechemode.com/

CHRONIQUE : Revenu en grande forme en 2006 avec l’album Playing The Angels apres un long passage à vide , Depeche Mode nous propose cette
année leur douzième opus baptisé Sounds Of The Universe. Un album dans le prolongement du précédent mélangeant les sonorités Old School au service d’une innovation permanente.

Le groupe a de nouveau fait appel à Ben Hillier pour produire l’album. C’est sous l’impulsion ce célèbre producteur que Depeche Mode avait ressoudé leurs liens en proposant un
véritable retour aux sources. Le groupe a choisi de prolonger l’expérience et se partage désormais naturrellement la composition des chansons : dix titres pour Martin Gore et trois signé par
Dave Gahan et ses accolytes avec lequel il a travaillé sur ses deux albums solo.

Des la premiere écoute on réalise que ce Sounds Of The Universe est bien moins sombre que son predecesseur. Depeche Mode est allé  puiser ses sons dans les tout premiers
synthétiseurs, les collectionnant au jour le jour dans leur studio d’enregistrement et en les triturant perpétuellement pour en obtenir la quintessence. On trouve aussi beaucoup de guitare sur la
majorité des chansons. Une écoute au casque vous permettra aussi de découvrir de nombreuses pistes d’effets arrangés par Ben Hillier et son assistant comme par exemple une feuille qui se
déchire en rythme.

Après deux chansons sympathiques mais qui ne casse pas des briques les choses sérieuses commencent a partir du troisième titre Wrong, le premier single issu de cet  album. Une des
chansons les plus sombres de l’album, au rythme totalement hypnotique et aux arrangements ultra-léchés. Le groupe alterne morceaux rythmées et titres plus lents. Un grand travail d’harmonie de
voix a été opéré par Dave Gahan et Martin Gore en double voix sur une majorité des titres c’est particulièrement magnifique sur l’onirique Little Soul.

C’est amusant de voir que certaines chansons se détache de l’album comme d’évidents singles. En dehors de Wrong, déjà sorti, on espere voir le titre Peace ,avec ses sons old school
et sa magnifique ligne de chant sur le refrain, le très rythmé Fragile Tension parfait pour le dancefloor ou bien encore le titre Perfect qui porte parfaitement son nom, inonder
bientôt la bande FM et devenir de futurs hymne durant les concerts de la tournée.

Sounds Of The Universe propose un voyage dans une atmosphère étrange ou l’on a l’impression de flotter. Une légèreté teintée de zones sombres bien présente sur le titre Come Back.
Un album tout en progression ou les morceaux s’améliorent de titres en titres. Martin Gore nous propose un nouvel instrumental baptisé Spacewalker qui pourrait tres bien illustrer
un film et qui rappelle un peu le morceau Pimpf. Le reste de l’album n’est que pur merveille avec peut etre un petit bémol sur Jezebel, seul titre chanté par Martin Gore seul
dont la musique est plutôt décevante. La version avec les instruments à cordes sur l’album d’inédits auraient eté plus convaincant sur l’album. L’album se termine sur le titre le plus noir
Corrupt dont les paroles et la façon d’interpreter de Dave Gahan font froid dans le dos.

A noter que ce nouvel album est également disponible dans un magnifique coffret luxueux renfermant un CD d’inédites qui aurait largement eu leur place sur l’album, un autre CD de démos récentes
ou plus anciennes, Un DVD rempli de documentaires avec une session live en studio vraiment superbe. Le tout est accompagné de deux superbes livres de photos avec les textes des chansons. Un
superbe objet indispensable aux plus grand fans du groupe.

 Avec Sounds Of The Universe, Depeche Mode délivre un album encore meilleur que Playing The Angel. L’avenir incertain du groupe semble maintenant bien loin tant cet
album démontre un réel plaisir de jouer ensemble et d’aller de l’avant. Rares sont les groupes de cette longévité a avoir encore autant la pèche et d’innovation dans leur musique. On a hâte de
les retrouver sur scène !

MON AVIS : 5/5

 

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Chronique CD : DEPECHE MODE – SOUNDS OF THE UNIVERSE:

TRACKLISTING :
 – 01. In Chains
 – 02. Hole To Feed
 – 03. Wron …

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Il est temps de faire le bilan des meilleurs albums de l’année 2007, malheureusement je ne peux acheter autant que de cds que je vais voir de films. On a pas inventé encore la carte qui permet
d’acheter autant de cd qu’on vent pour 18 euros par mois, il va falloir y songer ! Voici donc mon top personnel des meilleurs albums de l’année 2007, j’attend votre avis et vos coup de coeur dans
les commentaires.

1#

METALLICA – DEATH MAGNETIC

2#

CAVALERA CONSPIRACY – INFLIKTED

3#

OPETH – WATERSHED

4#

SLIPKNOT – ALL HOPE IS GONE

5#

GUNS N ROSES – CHINESE DEMOCRACY

6#

CRADLE OF FILTH – GODSPEED ON THE DEVIL’S THUNDER

7#

AIRBOURNE – RUNNIN’ WILD

8#

NEAL MORSE – LIFELINE

9#

SOULFLY – CONQUER

10#

DREAM THEATER – CHAOS IN MOTION

CHRONIQUE : Apres dix ans de facherie, les frangins Max & Iggor Cavalera ont enfin décidé d’enterrer la
hache de guerre. Max Cavalera avait quitté Sepultura car le groupe reprochait au chanteur d’etre trop mis en avant dans les médias par sa femme
Gloria qui était alors leur agent. Il formait ensuite le groupe Soulfly tandis que Sepultura continuait avec un nouveau chanteur. Puis
finalement, ce fût au tour du batteur Iggor de quitter le groupe l’année dernière pour de nouveaux projets.

De leur réconciliation arrive aujourd’hui Cavalera Conspiracy, nouveau groupe formé des deux fréres accompagné de nouveaux musiciens le bassite français  Joe
Duplantier du groupe Gojira et le guitariste Marc Rizzo de Soulfly. Il signe un premier album baptisé Inflikted, véritable retour aux
sources de ce qu’etait Sepultura a son apogée.

Poussé par Marc Rizzo, Max Cavalera avait redurci la musique de Soulfly sur ses deux derniers albums mais il manquait encore quelque chose pour
bien faire. Le retour derriere les fûts de son frérot fut l’etincelle qui mit enfin le feu au poudre pour pondre l’album parfait. Ca commence par un siréne, systeme d’alarme qui nous previent de
la deferlante qui va débouler. Puis le premier riff efficace nous remet directement dans la lignée d’Arise. Mais Cavalera Conspiracy ne fait pas que repomper les
vielles recettes et utilise tout un tas de nouveaux sons inédits recherchés et innovants, oeuvre d’un travail de groupe.

Les morceaux s’enchainent avec puissance, laissant peu de répit aux oreilles de l’auditeur. C’est tres rythmé, rapide et efficace. Reviennent alors des effluves d’un Beneath The
Remains et c’est l’extase. Chaque musicien apporte sa touche personnelle faisant de Cavalera Conspiracy un groupe bien a part. Max livre des riffs sec et efficaces
appuyés par des lignes de basses groovy et soignées qui apporte une nouvelle dimension au compos du vocaliste tandis qu’Iggor appuye par une rythmique reconnaissable
immédiatement. Le tout est sublimé par les solos d’une dexterité extreme de l’excellent Marc Rizzo qui n’a rien a envier a Andreas Kisser.

Les paroles d’Inflikted, toutes signées par le chanteur, sont d’une violence rare qui frappe tout autant que les riffs et les solos de l’album. Ca parle de guerre, de terrorisme,
de mort, de violence et de malediction bref de tous les maux de la terre. Autant d’uppercuts vocaux qui plonge dans un cauchemard auditif  surpuissant. Max semble toujours
aussi énérvé et les chansons reste toujours aussi cinglés comme il le rappelle en clin d’oeil au titre The Song Remains Insane du premier Soulfly.

Inflikted risque fort de faire regretter a Andreas Kisser et Paulo Jr d’avoir refusé de reformer Sepultura avec son line-up
légendaire. Désormais il faudra compter sur le nouveau groupe des frangins, une conspiration parfaitement réussie. Sepultura est mort, longue vie à Cavalera
Conspiracy !

MON AVIS : 5/5

 

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Chronique CD : CAVALERA CONSPIRACY – INFLIKTED:

TRACKLISTING :
 – 01. Inflikted
 – 02. Sanctuary
  …

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FICHE TECHNIQUE :

• GENRE : Fusion
• DUREE : 70:56
• DATE DE SORTIE : 26 février 2007
• SITE OFFICIEL : http://www.waltarimusic.com/

 

TRACKLISTING :

• 01. Get Stamped
• 02. Big Sleep
• 03. Let’s Puke Together
• 04. Cityshamaani
•    – Night Flight
•    – Good Morning
•    – Colgate County Showdown
•    – The Incarnation Party
•    – Sympathy
• 05. Hype
• 06. THD
• 07. Sex In The Biergarten
• 08. Wish I Could Heal
• 09. Spokebone (Bonus Track)

 

LINE UP :

• KARTSY HATAKKA : Chants, Basse, Programmation et claviers
• JARIOT LEHTINEN : Guitares & Choeurs
• SAMI YLI-SIRNIO : Guitares & Choeurs
• JANNE IMMONEN : Claviers & Programmation
• VILLE VEHVILAINEN : Batterie

 

CHRONIQUE : Avant leur break de 2000 à 2004, il n’etait pas rare de voir débarquer dans les bacs un nouvel album de Waltari
à la surprise général des fans ravis de découvrir un nouveau joyau. C’était avant Internet, lorsqu’il etait moins facile d’avoir de nouvelles de ses artistes préférés. Pourtant c’est un peu ce
qu’il s’est à nouveau passé avec ce nouvel album Release Date qui subitement fût annoncé alors qu’aucun communiqué du groupe n’avait fait part de leur entrée en studio.

 

Release Date est déja le onzième album studio de Waltari et le troisième depuis leur retour en 2004. Aprés Rare Species où le groupe
semblait un peu grippé puis Blood Sample où Waltari  renouait avec ses influences, voici enfin le véritable grand retour du groupe avec un album 100%
original, nouvel étape dans l’excellence qui caractérisait Waltari avant leur break.

 

Ca commence par un titre rappelant le Downing of Doom de Die Krupps que Waltari aimait reprendre sur scène et qu’ils ont maintenant fait leur.
On poursuit avec Big Sleep,un morceau où le batteur Ville s’en donne à coeur joie dans la maitrise de la double grosse caisse sur les refrains, un pur plaisir.
Le troisième titre Let’s Puke Together renoue avec le délire qui caractérise Waltari, morceau à la limite du death où le chant alterne entre voix claires et cris
guturaux sur des riffs d’aciers.

 

 

Release Date repose avant tout sur sa pièce maitresse CityShamaani. Un morceau de 36 minutes en cinq actes où le groupe experimente pour la première foois
une musique plus progressive. Le morceau est un véritable fourre tout comme seul Waltari est capable d’en faire : on retrouve du métal qui tache, un peu de rock fusion, de
l’electro, du jazz, du classique et un passage  flirtant avec le planant à la Pink Floyd. Rien que pour ce morceau, l’album mériterait qu’on se précipite pour
l’acheter mais Waltari ne s’arreté pas là et délivre huit autres brulots.

 

Aprés cette mini symphonie on revient à des titres plus courts aux couleurs variées. Le dansant  Hype et son beat electro, Le punkisant THD, le trash metal
de Sex In The Biergarten. Arrive ensuite l’un des meilleurs morceaux de l’album Wish I Could Heal, un titre qui a lui seul réunit tous les genres que l’on trouve
sur cet album en une seule chanson de 5 minutes. Ce n’est pas pour rien que le groupe l’a choisi comme premier single, il s’inscrit immédiatement comme un futur classique. On termine cet album
par Spokebone, titre annoncé comme un bonus track où Waltari mélange folklore traditionnel Finlandais et rythme éléctro comme il l’avait déja fait il y a plus de
dix ans avec le morceau culte So Fine. On aurait bien imaginé ce titre pour représenter la Finlande à l’Eurovision.

 

Comment Waltari arrive à se surpasser, cela reste un mystère. Aprés un retour au top avec Blood Sample, ils explosent leurs limites pour nous délivrer un nouveau chef d’oeuvre.
Il serait grand temps que les médias s’interressent de prés au talent de Kartsy Hatakka et réserve enfin l’accueil qu’il mérite à l’un des plus mesestimé groupe de la
planète.N’hesitez pas à vous précipitez chez votre disquaire pour vous procurer au plus vite cette nouvelle galette qui se révéle etre la meilleure surprise de ce début d’année.

 

MON AVIS : 5/5